Nuevas Músicas

Carbon Based Lifeforms

2011-11-21T18:21:00.003+01:00

www.carbonbasedlifeforms.net

Fuente: www.ultimae.com

Johannes Hedberg y Daniel Segerstad, 1976, con sede en Göteborg, al suroeste de Suecia..

Se conocieron a los 15 años y siguen trabajando felizmente juntos.

Carbon Based Lifeforms se formó en 1996, como una derivación de otros proyectos, pero pronto se convirtió en su referencia principal, que culminó en su primer lanzamiento en mp3.com en 1998.

Es difícil etiquetar su música, pero la mejor descripción podría ser la de una mezcla innovadora de ácido, techno y house. El término acid/ambient también se ha acuñado, tal vez como un guiño respetuoso hacia el gran pionero Brian Eno.

Johannes a menudo crea los bloques de sonidos y armonías, mientras que Daniel desarrolla los ritmos y transforma las ideas en pistas de audio. Aún no está claro cuál de ellos disfruta más con la manipulación de los sonidos distintivos del Roland TB-303.
A través de esta sinergia de ideas, su objetivo es combinar tierra y espacio en su música. Daniel y Johannes utilizan la combinación de la naturaleza y la tecnología como la principal fuente de inspiración para su trabajo. Les gusta representar tanto los efectos positivos como negativos que pueden surgir de esta colaboración, incluyendo el impacto negativo que el uso incorrecto de la tecnología pueda tener sobre el medio ambiente.

Discografía:

2011 - Fahrenheit Project Part 4
2010 - Interloper
2008 - EASE DIVISION 3
2006 - World of Sleepers
2005 - Albedo
2005 - Fahrenheit Project Part 5
2004 - Ambient Planet vol.1
2003 - Hydroponic Garden
2002 - Fahrenheit Project Part 3

Artemiy Artemiev

2011-07-10T12:17:00.002+02:00

www.electroshock.ru

Fuente: www.electroshock.ru

Artemiy Artemiev.

Compositor ruso de música electrónica, electroacústica y experimental, hijo del conocido compositor ruso de música electrónica Edward Artemiev.

Su profesión está estrechamente relacionada con la industria del cine, el teatro y la televisión. Desde los 15 años (1988-2003) ha compuesto música para más de 50 películas y 5 documentales rusos, tres obras de teatro, 2 óperas, una obra de radio y un montón de programas de televisión. Comenzó su carrera como teclista en varios grupos de rock en Moscú, pero en 1987 abandonó la música rock y comenzó a experimentar con el sonido, sintetizadores, samplers y ordenadores.

En 1997 se afilió a la Asociación Rusa de Música Electroacústica.

Desde 1996 produce el programa de radio/televisión "Electroshock", dedicado a la música electrónica, electroacústica, experimental y de vanguardia. También en 1996, junto con su amigo y director de cine y productor Vladimir Krupnitskiy, fundó el sello discográfico "Electroshock Records".

Artemiy Artemiev participó en el Festival de Bourges de Música Electroacústica '97 (Francia, del 30 de mayo al 8 de junio de 1997) - se interpetó el tema "Space Distortion" en este evento el día 7 de junio de 1997.
Artemiy participó en la serie de conciertos dedicados al 50 Aniversario de Música Electroacústica "Metafonie", que se celebraron en "Teatro Alla Scala" de Milán el 20 de marzo de 1999. Fue el primero y único compositor ruso que participó en estos eventos.
También se interpretaron composiciones de Artemiev en Aarhus, Dinamarca, en el Festival Internacional "Cinema for the Ear" (20 de septiembre de 1999) y en el Bezanson Recital Hall de la Universidad de Massachusetts, Amherst, EE.UU. (el 4 de noviembre de 1997).

Discografía:

2004 - Time, Desert and a Sound
2002 - A Moment of Infinity (con Phillip B. Klingler)
2002 - Transfiguration (con Peter Frohmader)
2002 - 57 Minutes to Silence (con Christopher De Laurenti)
2002 - Equilibrium (con Karda Estra)
2000 - Forgotten Themes
2000 - Dreams in Moving Space (con Phillip B. Klingler)
2000 - Space Icon (con Peter Frohmader)
1999 - Mysticism of Sound
1998 - Five Mystery Tales of Asia
1998 - Electroshocking Works
1997 - Point of Intersection
1995 - Cold
1993 - The Warning

Palancar

2011-06-26T21:00:00.007+02:00

http://palancar.net

Fuente: www.earthmantra.com & http://palancar.net

Darrell Burgan.

Darrell Burgan es un prolífico artista que proviene de Texas, que edita su música ambiental electrónica bajo el nombre del proyecto Palancar. También es el fundador y propietario de la emisora de radio por Internet StillStream, el sello discográfico Blue Water Records, es proveedor de sistemas de sonido Spirit Canyon Audio y es miembro de los grupos ambientales Copal River, Cluster Balm, Labrathisattva y Flute of the Fallen Tiger. También ha grabado y actuado con mindSpiral y con Different Skies. Por último, es también el fundador y propietario del sello de música ambient de licencia Creative Commons Earth Mantra Netlabel.

Discografía:

2006 - Ambient Train Wreck Series Volume One (reedición)
2011 - Elysium Planitia (reedición)
2011 - Crooked Little House
2010 - Prasantih (con Lucette Bourdin)
2010 - Samhata (con Lucette Bourdin)
2010 - Triangulum (mindSpiral)
2010 - Serenitatis
2010 - Already Not Existing (Flute of the Falling Tiger)
2010 - Enlightenment
2009 - The Hundredth Mantra (VV.AA.)
2009 - Curiosa Positronica (mindSpiral)
2009 - The View From Down Here (Labrathisattva)
2009 - Three Moments
2009 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Twelve
2009 - Land of the Electric Monsters
2008 - Battery Street (con John H. Lewis)
2008 - Sea Turtle Island
2008 - Live At The Sky Castle
2008 - Ancara (Copal River)
2008 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Eleven
2008 - Singularity
2008 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Ten
2007 - Imaginary Spaces (Different Skies)
2007 - Strange Lines and Distances (Different Skies)
2008 - Ambient Train Wreck Series Volume Five
2007 - Tryptophan Haze (con Allen Goodman)
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Nine
2007 - Live In Elvenland
2007 - Ambient Train Wreck Series Volume Four
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Eight
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Seven
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Six
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Five
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Four
2007 - Yuri's Night
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Three
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection Two
2007 - Ambient Train Wreck Back Catalog - Collection One
2007 - Palancar - Ambient Train Wreck Series Volume Three
2006 - Copal River (Copal River)
2006 - Ambient Train Wreck Series Volume Two
2006 - Ambient Train Wreck Series Volume One
2006 - Diminishing Light
2006 - Precis
2006 - Organbient Longform Ambient Compilation Vol 1 (VV.AA.)
2005 - Instamatic (Cluster Balm)
2005 - Broadcasts [Live]
2004 - 1.0 (Cluster Balm)
2003 - Momerath
2003 - Elysium Planitia

Earth Mantra Netlabel

2011-06-26T20:34:00.001+02:00

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Different Skies

2011-06-26T20:32:00.000+02:00

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mindSpiral

2011-06-26T20:31:00.000+02:00

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Flute of the Fallen Tiger

2011-06-26T20:30:00.000+02:00

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Labrathisattva

2011-06-26T20:29:00.001+02:00

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Cluster Balm

2011-06-26T20:28:00.001+02:00

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Blue Water Records

2011-06-26T20:27:00.001+02:00

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Copal River

2011-06-26T20:25:00.000+02:00

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Peter Frohmader

2011-06-26T12:34:00.001+02:00

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Electroshock Records

2011-06-26T12:31:00.000+02:00

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Edward Artemiev

2011-06-26T12:25:00.000+02:00

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Michael Brant DeMaria

2011-03-29T21:05:00.001+02:00

www.ontos.org

Fuente: www.ontos.org

Dr. Michael Brant DeMaria, 23 de abril de 1962, New England (Wilton, Connecticut).

Nominado a los Grammy, compositor ganador de varios premios, ganador del Native American Music Award y número 1 en las listas de ventas, Michael Brant DeMaria es un multi-instrumentista cuyos discos y actuaciones llegan a su público con su música sincera y sentida.

La música de Michael tiene tanto un carácter mágico de simplicidad como un antiguo sentido de atemporalidad y eternidad. Tras ser número 1 y mantenerse entre los 20 primeros durante 6 meses, su álbum Siyotanka ganó el Native American Music Award en la categoría Native Heart en octubre de 2009. Inmediatamente pasó a sernominado para el Grammy como álbum del año en la categoría de Native American Music en 2009.

Su tercer disco, Ocean, también alcanzó el número 1 en las listas de New Age/World/Ambient y permaneció allí durante tres meses. Ganó el premio ZMR al mejor álbum de relajación/meditación del año y Best Ambient Album of the Year en 2009. Los Premios ZMR son muy apreciados porque sólo se permite votar a los medios que emiten por radio, cable e Internet de todo el mundo. Siyotanka también ganó el premio ZMR al Best Native American Album of the Year en 2009.

Michael ha sido el músico destacado de poetas de renombre mundial como Bly, Robert y David White, además de actuar en directo con los artistas ganadores del Grammy Mary Youngblood, Bill Miller, David Darling y R. Carlos Nakai. Michael ha estudiado con David Darling durante muchos años y se ha graduado en su escuela de improvisación Music For People.
Michael toca la flauta nativa americana, el piano, sintetizadores, el shruti indio y una amplia gama de instrumentos de percusión del mundo, incluyendo el djembe africano y el doumbek de Oriente Medio.
También fue miembro del Sacred Winds Consort, inaugurando el concierto de David Lanz en el Zion Canyon Music Festival en 2008.

'GAIA'

El interés de Michael por la música comenzó temprano, con sólo siete años de edad, cuando Michael empezó a usar la música para convalecer de una operación quirúrgica. Desde el principio, Michael disfrutó al improvisar y crear su propia música y le encantaba cómo al descubrir nuevos sonidos le ayudaba a sentirse más vivo e incluso a veces lo transportaban a otros mundos.
Un concierto de jazz que vio a los nueve años le impulsó a introducirse en la batería y la percusión. En su tardía adolescencia se dio cuenta que no estaba solo en su interés por la improvisación cuando oyó por primera vez el piano de Keith Jarrett y las profundas y relajantes texturas de William Ackerman y George Winston.

Michael Brant DeMaria se doctoró a los 24 años. Aunque su enfoque académico estaba orientado a la psicología, su pasión seguía siendo la música y comenzó a grabar piezas originales (cinco álbumes que sólo compartió con familiares y amigos). El primer álbum disponible comercialmente, The River, se publicó en 2003. Tuvo una gran acogida internacional y fue aclamado como un álbum de referencia en musicoterapia, masaje, meditación, relajación, eliminación del estrés y visualización. El álbum, además, también fue el primer lanzamiento en su Ontos Healing Sound Project.

Discografía:

2003 - The River
2009 - Siyotanka
2009 - Ocean
2010 - GAIA

George Winston

2011-03-29T21:04:00.001+02:00

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William Ackerman

2011-03-29T21:03:00.001+02:00

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Keith Jarrett

2011-03-29T20:58:00.000+02:00

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David Lanz

2011-03-29T20:54:00.000+02:00

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doumbek

2011-03-29T20:52:00.000+02:00

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djembe

2011-03-29T20:51:00.001+02:00

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shruti

2011-03-29T20:48:00.002+02:00

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R. Carlos Nakai

2011-03-29T20:43:00.000+02:00

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David Darling

2011-03-29T20:41:00.002+02:00

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Radio Massacre International

2010-10-09T11:40:00.006+02:00

www.radiomassacreinternational.com

Fuente: www.radiomassacreinternational.com

Steve Dinsdale (teclados, electrónica, percusión), Duncan Goddard (teclados, electrónica, bajo) y Gary Houghton (guitarra, teclados).

Desde 1993 han ido creando un catálogo épico de improvisaciones electrónicas que han crisolizado en discos gracias a las ventajas de la edición digital.

A finales de 1995 publicaron el doble CD Frozen North y aparecieron en directo por primera vez en el festival Emma en Sheffield.

1996 fue el año en que se dieron a conocer masivamente a través de la televisión europea cuando co-presentaron la 'Party Zone' en MTV, donde se distinguieron por interpretar un tema en directo que no contenía ni un solo ritmo discernible.

En 1997 Radio Massacre International actuó en el Klemdag festival en Nijmegen, Holanda, ante la mayor audiencia en directo del grupo hasta la fecha.

El año del milenio fue el de las apariciones en el festival Alfa Centauri en Holanda, y otra visita a Jodrell Bank.

En noviembre de 2002, RMI realizó sus primeros conciertos en Estados Unidos. En California encabezaron la primera noche del festival Progwest y aparecieron en directo en Radio KXLU en Los Angeles.

Las sesiones intensivas de preparación para sus conciertos integraron percusiones acústicas y bajo eléctrico a la banda y en 2003 volvieron a los escenarios en el Reino Unido y Europa con una interpretación de debut en el National Space Centre en Leicester y exitosas apariciones en el E-Live Festival en Eindhoven, Holanda, y el Virtaa Arts Festival cerca de Helsinki, Finlandia, a principios de 2004. La gira finlandesa fue posteriormente inmortalizada en Walking on the Sea editado en mayo de 2004.

Volvieron a los Estados Unidos de nuevo en mayo de 2004 donde la banda actuó otra vez en los conciertos de The Gatherings en Philadelphia, y grabaron una nueva sesión para el programa de radio de Chuck Van Zyl 'Star's End'. Tras entrevistarse con Steve Fiegenbaum, de Cuneiform Records, en Philadelphia, RMI grabará el album Emissaries para el sello, publicado en mayo de 2005.

Entre 2003-6, actuaron anualmente en el National Space Centre en el Reino Unido, junto con el artista invitado Ian Boddy en la última de estas ocasiones en marzo de 2006. RMI publicaría su CD Septentrional en el sello DIN de Ian Boddy con el propio Boddy tratando y remezclando el material.

En diciembre de 2006 finalmente editaron su largamente esperada recopilación de 6 CDs Lost in Space, una retrospectiva de su carrera pero que además contenía material de estudio de 1987 a 2003 completamente nuevo.

'Trident', ©2006 Septentrional

Discografía:

1995 - Frozen North
1996 - Republic
1997 - Knutsford in May
1997 - Organ Harvest
1997 - Burned & Frozen
1997 - Diabolica
1997 - Is There Anybody Out There?
1998 - Borrowed Atoms
1998 - Gulf
1998 - A Bridge Too Far
1999 - Bothered Atmos
2000 - Upstairs Downstairs
2000 - Zabriskie Point
2000 - The God of Electricity
2000 - Been There, Done That
2001 - Planets in the Wires
2001 - Startide
2002 - Maelstrom
2003 - Solid States
2003 - Greenhousing
2004 - Walking on the Sea
2004 - People Would Really Like Space Rock If They Would Only Give It a Try
2004 - E-Live 2003
2005 - Emissaries
2005 - Hog Wild
2005 - Awakenings 2005
2006 - Septentrional
2006 - Lost in Space
2007 - Rain Falls in Grey
2007 - Blacker
2008 - Antisocial
2008 - Antisocial
2008 - Fast Forward
2008 - Philadelphia Air-Shot
2008 - Rain Falls in a Different Way
2008 - October Gallery (Redux)
2009 - E-Live 2008
2009 - The Liphook Variations
2009 - March 2000
2010 - Lost in Transit Disc One
2010 - Lost in Transit Disc Two
2010 - Lost in Transit Disc Three
2010 - Lost in Transit Disc Four
2010 - Lost in Transit Disc Five
2010 - Lost in Transit Disc Six
2010 - Lost in Transit Disc Seven
2010 - Time & Motion

Entrevista

Ian Boddy

2010-10-09T11:13:00.000+02:00

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shakuhachi

2010-02-21T08:43:00.001+01:00

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Rodrigo Rodríguez

2010-02-21T08:39:00.006+01:00

www.rodrigo-rodriguez.com

Fuente: KZN Records

Rodrigo Rodríguez, Argentina, 1978.

Rodríguez emigró a España en 1986 donde vivió la mayoría de su infancia. A temprana edad empezó a estudiar música clásica y moderna.

Desde su niñez Rodrigo tuvo la necesidad de imitar la música y sonidos que escuchó en su mente.
Entre los años 1993 y 1999 Rodrigo siguió sus estudios y educación musical de guitarra clásica en la isla de Mallorca hasta los 21 años de edad. Su interés por la música tradicional e instrumentos étnicos empezó antes de su adolescencia.

La vida profesional de Rodrigo empezó en España, donde descubrió la flauta japonesa shakuhachi (flauta de bambú usada por los monjes "Komuso" para la meditación y peregrinación).
El interés por este instrumento le llevó a emigrar por segunda vez, en esta ocasión a Japón, país donde estudió música clásica y tradicional japonesa bajo los linajes de Katsuya Yokoyama en "The International Shakuhachi Kenshu-kan School" a cargo del Maestro Kakizakai Kaoru.
Sus muchos y diversos viajes hicieron que adquiriera una rara colección de experiencias y vivencias que influyeron definitivamente en su estilo de composición y ejecución de los instrumentos.

Desde el año del 2004, Rodrigo ha sido el primer músico que ha introducido en Japón el innovador experimental instrumento musical Hang Drum.

En el año 2006 varias composiciones de su disco 'Inner Thoughts' fueron licenciadas por la discográfica Norteamericana Gemeni Sun Records en Los
Angeles, CA.

La música de Rodrigo fue clasificada en los géneros de New Age, Música del Mundo (World Music), o Clásica Contemporánea.

En estos recientes años Rodrigo ha actuado en numerosos conciertos en Europa, Asia, Sur del Pacífico, en escenarios legendarios como "The Imperial Hotel Tokyo" y la "NHK Culture Center of Japan".

A principios de 2009, Rodríguez empezó sus estudios con el renombrado maestro y músico de shakuhachi Kohachiro Miyata, interesado más profundamente en música contemporánea y el shakuhachi clásico.

Rodrigo mostró interés y dedicación por los trabajos de Miyata Kohachiro.
A partir de entonces, decidió estudiar todos los tipos de música tradicional japonesa, prestando especial atención a las diferencias entre las dos tradiciones musicales.

Discografía:

2006 - Inner Thoughts
2007 - Across the East
2008 - Music that Illuminates Your Life
2008 - Beyond the Times
2009 - Traces of Truth
2009 - Shakuhachi Japanese Classical Music

Entrevista

Die Stadt

2010-02-02T17:28:00.004+01:00

www.diestadtweb.com

Fuente: www.diestadtweb.com

Antonio Montilla y Mara de Miguel.

La ciudad (Die Stadt en alemán) es el espacio en el que vivimos y convivimos. Es un espacio vivo, cambiante, impresionante en lo más grande y, al mismo tiempo, sorprendente en lo más pequeño. La ciudad proporciona los sonidos y las imágenes cotidianas que sirven a Die Stadt de base para sus proyectos.El concepto de Die Stadt es audiovisual y no se entiende por separado.

Antonio Montilla es responsable de la parte musical y Mara de Miguel de la parte visual. Esta división facilita el trabajo, pues cada uno hace propuestas sobre un aspecto que luego se consensúan o modifican en reuniones periódicas. Pero no se trata de compartimentos estancos: en cualquier momento cada miembro puede proponer ideas sobre cualquier área, enriqueciendo el resultado final. Además, pretenden que Die Stadt tenga una "arquitectura flexible", como las ciudades mismas, dando cabida a colaboraciones con otras personas que puedan aportar variedad y riqueza a la propuesta.

Die Stadt quiere llegar a la mayor cantidad de público posible y aprovechan las nuevas tecnologías para hacerlo. La distribución de la música ha dejado de ser una exclusiva de grandes compañías multinacionales. Usando los nuevos canales, como Internet, sus proyectos no están limitados a una determinada área geográfica, sino que pueden ser conocidos, potencialmente, en todo el mundo. Es muy gratificante y, al mismo tiempo, sobrecogedor saber que alguien en Alemania, Noruega, Estados Unidos, o cualquier otro lugar, está disfrutando con Die Stadt.
Por último, los directos son muy importantes. Si la ciudad es la que proporciona la inspiración para Die Stadt, es justo devolver el resultado a la ciudad misma. Tanto la música como las proyecciones son realizadas en vivo, buscando que cada directo sea diferente.

'Stadtlegende', ©2008 Stadtlegende

Discografía:

2001 - Nightwalk
2008 - Stadtlegende
2009 - Out There
2009 - Nightwalk (edición especial)

The Lab

2010-01-31T21:34:00.004+01:00

www.thelabsound.com

Fuente: www.thelabsound.com

José Corredera y Miguel Lázaro (Madrid, 1980) formaron The Lab en 1993 experimentando con el sonido electrónico y su relación con la imagen.

En 1998 The Lab editó su primer trabajo, Escuchando Imágenes, y a continuación comenzó a trabajar en la banda sonora de la película Homodigitalis, estrenada en 2003. El disco, editado en 2004 para Europa, con la música completa, fue alabado por la crítica: "...palabras mayores, es casi perfecto..." (Future Music), y nominado a los Premios de la Música 2004 como mejor álbum y tema electrónico. Homodigitalis ha sido visto y oído en ciudades como Madrid, Bilbao, Barcelona, París, Milán o Berlín.

'Engranajes', ©2003 Homodigitalis

Discografía:

1998 - Escuchando Imágenes
2003 - Homodigitalis

Celestial Harmonies

2010-01-31T20:51:00.000+01:00

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Fortuna Records

2010-01-31T20:29:00.000+01:00

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Ravi Shankar

2010-01-30T21:43:00.001+01:00

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David Parsons

2010-01-30T21:34:00.008+01:00

Fuente: Celestial Harmonies

Su carrera se inició como percusionista de jazz en Nueva Zelanda, para convertirse en un pionero de la música electrónica. Ha producido la serie de 17 CDs The Music of Islam y mucha más música de sus viajes por Camboya, Armenia, Vietnam, Indonesia e Himalaya.

A principios de los 60 ocurrió un acontecimiento que cambiaría la vida de este precoz percusionista de jazz: la leyenda del sitar Ravi Shankar visitó Nueva Zelanda.
Tras tocar el sitar de manera autodidacta durante 7 años, finalmente viajó a la India para aprender a tocarlo de la manera ortodoxa.
En 1975, David y su mujer Kay estaban en su casa en India a 44 o 45º C. "Era como estar sentados en un horno. Entonces pusimos el disco de Wendy Carlos Sonic Seasonings, concretamente el tema Winter, con todos esos sonidos helados y aullidos de lobos. Y nos refrescó. Al menos figuradamente." Al volver a Nueva Zelanda, David Parsons se compró un sintetizador Roland.

Entre la inspiración de Carlos y los sonidos naturales, Parsons tuvo la idea de mezclar ambos, y además le añadió el sitar.

David Parsons había dejado su trabajo de publicista en 1974 para poder irse a la India a estudiar y volver a finales de 1975 a Nueva Zelanda para trabajar en la National Film Library. Hasta este día continúa componiendo música para películas y televisión. En 1980 edita una cassette con grabaciones caseras y le llama Sounds of the Mothership. "Una librería en Los Angeles oyó hablar de mí y escribieron a un distribuidor local que pidió 10 cassettes." Una de estas cassettes la compró un hombre llamado Ethan Edgecombe, que dirigía un sello de New Age llamado Fortuna Records. Sin saber nada de David Parsons excepto que vivía en Nueva Zelanda, Edgecombe empezó a hacer llamadas hasta que lo localizó.

Con un sello norteamericano interesado en su música, Parsons saltó a la siguiente generación de sintetizadores. "Estaban evolucionando hacia algo mucho más musical," dice. Ahora eran polifónicos y no se limitaban a interpretar una serie de simples notas. Inspirado por la nueva tecnología, Parsons creó su segundo álbum, Tibetan Plateau.

La década de los '80 significaría para Parsons una inmersión en la música de la India (Yatra) y de Asia (Tibetan Plateau, Himalaya). En 1989 fue con su mujer Kay a pasar tres meses en un monasterio del Tibet y grabó las ceremonias de los monjes del monasterio de Dip Tse Chok Ling. En esta época, la distribución de Fortuna Records había sido adquirida por Celestial Harmonies, cuyo productor ejecutivo, Eckart Rahn, ya había mostrado interés por la música tradicional de Asia. De hecho, partes del primer volumen, Sacred Ceremonies: Ritual Music of Tibetan Buddhism, fueron utilizadas por los directores Oliver Stone en su película Heaven & Earth y Bernardo Bertolucci en El Pequeño Buda.
En los próximos años, la familia Parsons viajaría por Camboya y los países islámicos. David producía las grabaciones, Kay hacía las fotos y Anna, su hija de dos años, era la relaciones públicas. Visitaron Egipto, Vietnam, Irán y Libia. The Music of Vietnam parecía una progresión natural tras su proyecto de Camboya. En cuanto a Irán, se convirtió en una simple parada en un viaje épico a través del mundo islámico, un cinturón de países que abarcaban desde Marruecos a Indonesia. The Music of Islam, originalmente concebida como una colección de 6 volúmenes, creció hasta un destacado documento de 17 volúmenes que es posiblemente la colección definitiva de la música del mundo islámico.
Más tarde llegarían Irak y Armenia. Tras aproximadamente 5 años viajando, incluyendo 11 meses en la carretera en un año, la familia Parsons regresó a Nueva Zelanda en 1997, donde siguen viviendo ahora. David todavía compone música para televsión y cine pero sus experiencias viajando a través de Asia Central le han dado una nueva visión interior a su propia música.

Discografía:

1989 - Himalaya
1990 - Yatra
1991 - Sounds of the Mothership
1991 - Tibetan Plateau/Sounds of the Mothership
1992 - Dorje Ling
1999 - Ngaio Gamelan
2000 - Parikrama
2001 - The Tomb Was Empty
2002 - Maitreya: The Future Buddha
2004 - In Retrospect: 1980-2003
2005 - Inner Places
2007 - Vajra
2008 - Surya
2009 - Earthlight
2009 - Jyoti

Antonio Baena

2010-01-26T20:46:00.004+01:00

www.tallerdehoras.org

Fuente: www.tallerdehoras.org

Antonio Baena ha realizado estudios de informática y de música en el Conservatorio. Guiado por sus dos grandes pasiones, se decidió a unirlas para desarrollar su creación artística, dada la enorme cantidad de posibilidades que se le abrían con esta combinación.

Su incipiente carrera podría decirse que comenzó en 2004, cuando terminó la música de su primera obra Tres Cuadernos de Otoño. Era una obra compuesta por una serie de poemas que acompañaban a la música. Ha sido éste un concepto que le ha acompañado hasta la actualidad, porque todo su trabajo se ha englobado bajo esta misma idea, obras que tienen un denominador común: el otoño como fuente de inspiración y como recurso.

De esta forma, en el mismo 2004, acabó otra obra llamada Lejos de Casa, basada en una serie de poemas de Tres Cuadernos de Otoño, que desarrollaba un poco más el sonido de su primer trabajo, yendo un poco más allá en la búsqueda de su identidad musical.

En 2005, recién terminada Lejos de Casa y empezando ya a preparar Árbol de Otoño que Siente Primavera, decidió tomarse un descanso para aclarar ideas y realizó una obra más relajada y simple, con un sonido muy tradicional, que llamó Con Luz los Vacíos.

En 2006 terminó Árbol de Otoño que Siente Primavera, proyecto que le llevó casi un año realizar por lo complejo de su concepto. Muchas de sus ideas fueron desechadas y otras desembocaron en Sombras del Otoño, publicada en 2007. También englobada dentro del mismo concepto de Tres Cuadernos de Otoño, está basada en otra serie de poemas de la obra primigenia y pretende ser el punto y final de este ciclo de obras "otoñales".

No fue hasta el año 2006 que decidió hacer público su trabajo, debido a que no encontraba el medio apropiado para hacerlo, ya que él quería ponerlo a disposición del público de forma gratuita y accesible a todos. Ese año vió la luz su netlabel Taller de Horas. Aquí ha encontrado el enclave perfecto ya que todas sus obras pueden encontrarse en ella en forma de archivos mp3.

'A Path under the Rain', ©2008 La Lluvia

Discografía:

2004 - Tres Cuadernos de Otoño
2004 - Lejos de Casa
2005 - Con Luz los Vacíos
2006 - Árbol de Otoño que Siente Primavera
2007 - Sombras de Otoño
2008 - La Lluvia
2008 - Concierto de Navidad de los Titiriteros

ad21music

2010-01-26T20:24:00.000+01:00

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vidnaObmana

2010-01-26T12:46:00.002+01:00

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Alio Die

2010-01-26T12:46:00.001+01:00

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Richard Burmer

2010-01-26T12:45:00.002+01:00

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Max Corbacho

2010-01-26T11:47:00.011+01:00

www.maxcorbacho.com

Max Corbacho, Badajoz.

Fuente: www.maxcorbacho.com

Su enorme tierra natal salpicada de encinas, donde pasó los primeros años de su vida, es quizá la huella más profunda que marca su música. Sus noches estrelladas de verano, la caricia de la brisa nocturna y el canto sedante de los grillos, sus inmensos horizontes, el profundo cielo azul y el silencio.

La música de Max es una referencia constante a estos elementos, y continuamente vuelve a lugares deshabitados y misteriosos para captar esas atmósferas, que son traducidas a sonido en una fusión de técnicas que van desde la grabación de sonidos naturales, programación en sintetizadores y samplers, a la manipulación de todos estos elementos en el ordenador. El resultado son paisajes sonoros extremadamente densos e hipnóticos.

Su trayectoria musical comenzó, tras estudiar guitarra, en bandas de rock locales. Después de algunos años tocando la guitarra eléctrica lentamente se sintió más interesado en la música electrónica. Primero con bandas legendarias como Tangerine Dream o músicos como Richard Burmer y Vangelis. Posteriormente sus influencias incluyeron artistas como Brian Eno, Robert Rich, Steve Roach, Vidna Obmana, Alio Die y Michael Stearns.

En 1999 se produce su primer trabajo, Vestiges. Pronto la prestigiosa tienda online Backroads Music seleccionó este álbum como uno de los mejores del 2000 y Vestiges se convirtió en uno de los más elogiados CDs de la música espacial-ambiental en aquella época. Vestiges fue considerado un trabajo sincero, emotivo, potente y lleno de misterio.

En el año 2000 Max publicó su segundo CD, Far Beyond the Immobile Point, seguido de The Resonant Memory of Earth, publicado por el sello norteamericano Space For Music. Los álbumes posteriores, Nocturnal Emanations, Indalo y Moontribe, eran cada vez más completos que el anterior.
Max ha trabajado también en estrecha colaboración con el músico argentino (afincado en Barcelona) Bruno Sanfilippo, grabando un CD conjunto y lanzando el sello ad21music.

'Reborn to Expansion', ©2006 The Talisman

Discografía:

1999 - Vestiges
2000 - Far Beyond the Inmobile Point
2002 - The Resonant Memory of Earth
2003 - Nocturnal Emanations
2003 - Indalo
2003 - Moontribe
2006 - The Talisman
2009 - BreathStream
2009 - Ars Lucis
2010 - Deep Time

Entrevista

Constance Demby

2010-01-25T13:13:00.010+01:00

www.constancedemby.com

Constance Mary Demby, Oakland, California (Estados Unidos).

Fuente: Wikipedia

Aprendió a tocar el piano clásico en su infancia para pasar a convertirse en multi-instrumentista.

Estudió escultura y pintura en la Universidad de Michigan. Uno de sus diseños originales, sus instrumentos Sonic Steel, han sido grabados en los estudios Lucas Skywalker para utilizarlos en sus bandas sonoras, y también filmados por Discovery Channel en el Parc Güell de Gaudí. El Bass Space aparece en la banda sonora de Chronos de Michael Stearns.

En 1986 se publicó su álbum Novus Magnificat, autodefinido como "spacemusic". Inspirado por la música occidental clásica y sacra, fue grabado con muestras de instrumentos reales interpretadas en el sampler digital Emulator II, y cuenta con texturas de sonido creadas por Michael Stearns. Aunque no fue nominada a los premios Grammy, el álbum vendió más de 200.000 copias en todo el mundo, haciendo de ella una de los artistas de más éxito de la New Age de la época y ayudó a crear la reputación de Hearts of Space Records de Stephen Hill.

Demby fue co-fundadora del Central Maine Power Sound and Light Company, un grupo multimedia experimental que recorrió la costa Este de Estados Unidos de gira de 1971 a 1976 con programas como Space Mass, una producción multimedia estrenada en Nueva York combinando pintura, film, esculturas del medio ambiente, música, baile y ritual. En 1978 fundó su propio sello discográfico, Sound Currents (tambiñen conocido como Gandarva, su estudio de grabación) donde publicó o reeditó la mitad de sus álbumes.

En 2000 se trasladó desde el sur de California a Sitges, en España, y regresó a los EE.UU. en julio de 2003.

Discografía:

1978 - Skies Above Skies
1980 - Sunborne
1982 - Sacred Space Music
1984 - Constance Demby at Alaron (live, 1983)
1986 - Novus Magnificat: Through the Stargate
1987 - Light of This World (recopilatorio, 1978–1986 best-of, más 2 temas originales)
1989 - Set Free
1995 - Aeterna
1998 - The Beloved
1998 - The Heart Meditation
2000 - Faces of the Christ
2000 - Attunement: Live in Concert (live, 1999)
2001 - Sanctum Sanctuorum
2004 - Spirit Trance
2004 - Sonic Immersion
2008 - Live in Tokyo (live, 2002, CD-DVD)

Albert Giménez

2009-08-11T21:01:00.001+02:00

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nuevas músicas

2009-08-11T20:47:00.002+02:00

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David Antony Clark

2009-08-11T19:13:00.010+02:00

www.davidantonyclark.com

David Antony Clark, Dunedin (Nueva Zelanda).

Fuente: www.davidantonyclark.com

Buena parte de su juventud la pasa siguiendo el folk británico y el rock. Desde los 15 años comienza a tocar habitualmente en grupos como guitarrista acústico y bajista, yendo de gira por el país. Entre los 30 y 40 años se traslada a Europa y viaja principalmente por Irlanda, Francia, Alemania y Austria donde dio clases de inglés y de guitarra. Además se acerca a las culturas de Oriente Medio y el subcontinente Indio al cual ha vuelto en numerosas ocasiones.

Su pasión por la música, los viajes y la tecnología se fundieron al conocer a Jon Mark y fue invitado a formar parte del sello White Cloud.

Durante la década de los 90 ha continuado viajando por todo el mundo en su búsqueda de experiencia musical y cultural. Ha explorado el Pacífico, el Lejano Oriente y el continente americano y su mayor fuente de inspiración todavía sigue siendo la belleza natural de la tierra.
En la actualidad David vive en Wellington (Nueva Zelanda), donde dirige junto a su socio Radha Sahar un estudio de producción y masterización especializado en recursos educativos, UCA Recording, además de trabajar junto Jon Mark como ingeniero de sonido en White Cloud.

'Rainmakers', ©1996 Before Africa

Discografía:

1993 - Terra Inhabitata
1995 - Australia Beyond the Dreamtime
1996 - Before Africa
1998 - The Leaving of Ireland
1999 - The Man Who Painted Caves
2003 - Paradise New Zealand
2004 - Sacred Sites
2005 - Natural Selection - The Best of David Antony Clark
2006 - Shaman Dancing
2008 - Songs of Magic Sex & War (EP)
2010 - Tribal Blood - Manawataki Maori

Entrevista

Jon Mark

2009-08-11T19:09:00.002+02:00

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Dave Fulton

2009-08-11T18:39:00.003+02:00

Dave Fulton, Portland, Oregón (USA).

Influido en los años 70 por el rock progresivo y cósmico (Genesis, Pink Floyd) y la música electrónica berlinesa y el ambient de Brian Eno, formó a mediados de los 90 el grupo Dweller at the Threshold, con los que ha publicado tres álbumes inspirados en el sonido berlinés.
Dentro de este estilo editó en solitario el álbum Hard Particles (1999).
Ha colaborado con el sintetista Mike Griffin en los CDs de música espacial The Most Distant Point Known (2000) e Imprint (2002).

Discografía:

1999 - Hard Particles
2000 - The Most Distant Point Known
2002 - Imprint

Con Dweller at the Threshold:
1996 - No Boundary Condition
1998 - Generation/Transmission/Illumination
2000 - Dweller in the Tape Vaults
2001 - Ouroborus

Dweller at the Threshold

2009-08-11T18:37:00.005+02:00

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Mike Griffin

2009-08-11T18:37:00.004+02:00

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Genesis

2009-08-11T18:36:00.004+02:00

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Pink Floyd

2009-08-11T18:36:00.003+02:00

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pop

2009-08-09T20:50:00.002+02:00

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sintetizador

2009-08-09T20:48:00.002+02:00

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flauta

2009-08-09T20:45:00.002+02:00

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violín

2009-08-09T20:44:00.001+02:00

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Cusco

2009-08-09T20:39:00.005+02:00

www.cuscomusic.com

Cusco, banda formada en 1979.
Michael Holm, Weilheim (Alemania), 1943.
Kristian Schultze, Oberbayern (Alemania).

Fuente: Jorge Munnshe / Amazing Sounds

Aunque bastantes artistas han colaborado con Cusco en calidad de compositores o de intérpretes, el núcleo básico está configurado alrededor del dúo integrado por Michael Holm y Kristian Schultze, ambos con dilatadas trayectorias discográficas y bien conocidos en el mundillo de las músicas alternativas.

Michael Holm se interesó por la música desde niño. El ambiente familiar era ciertamente propicio, ya que su padre y cuatro hermanos y hermanas constituían una especie de orquesta familiar, tocando piano, violín, flauta y otros instrumentos. De esa época, Holm recuerda con especial cariño el papel de flautista que en ese sexteto tenía asignado y la presencia de flauta en los discos de Cusco se debe en buena medida a su grata y precoz experiencia como flautista.
En 1963, a los veinte años de edad, Michael inició su carrera profesional como músico en la modalidad de cantante y autor de canciones. Durante quince años, Holm se abrió camino en el mundillo musical, situándose como un profesional de éxito, dedicado a diversas tareas musicales, incluida la de producción.

En 1978 Holm vivió la experiencia que le conduciría a la creación de Cusco: ese año hizo un viaje a través de Latinoamérica. El contacto con la cultura, las gentes, los paisajes, impactó de manera profunda al músico, emocionándole y proporcionándole fuertes dosis de inspiración. El lado humano de los habitantes de los lugares visitados fue, en especial, un factor decisivo: "Las gentes nos trataban tan amistosa y cálidamente que creo que el sentimiento de calidez en la música de Cusco es un reflejo de la gran amistad y del buen corazón con que esas personas nos acogieron".

Hasta 1979 Holm se había encargado sobre todo de la producción de numerosos discos. Fue entonces cuando su deseo de explorar nuevas facetas musicales mediante sintetizadores le llevó a proyectar la realización de sus propias composiciones, en solitario o con la participación de otros músicos. La experiencia vivida el año anterior en Sudamérica determinó en gran medida la orientación estilística de su iniciativa.
Holm contó para el proyecto con Rainer Pietsch, Kristian Schultze, con quien estaba en contacto desde 1976, y otros artistas. La música compuesta por Holm y varios de estos músicos integró Desert Island, primer álbum de la banda.

A pesar de todo el éxito que Holm había tenido con sus producciones pop, se encontró con muchas dificultades para publicar el disco. Sólo halló un pequeño sello japonés interesado en el proyecto que finalmente lanzó el álbum y que cosechó el suficiente éxito como para garantizar la continuidad discográfica de Cusco. Los dos siguientes discos también tuvieron en Japón su principal vía de difusión.

En 1986, otro sello modesto, en este caso norteamericano, se interesó por Cusco. El mismo fenómeno que se había registrado en Japón se reprodujo en Estados Unidos: Cusco se convirtió en un nombre famoso, sinónimo de música alternativa pero que al mismo tiempo resultaba asequible con facilidad para un amplio público.

'Ring of the Dolphin', ©1989 Ring of the Dolphin

Discografía:

1980 - Desert Island
1981 - Cusco II
1982 - Cool Island
1983 - Planet Voyage
1983 - Virgin Island
1984 - Island Cruise
1985 - Apurimac
1986 - Concierto de Aranjuez
1987 - Tales from a Distant Land
1989 - Ring of the Dolphin
1989 - The Best Of Cusco
1989 - Mystic Island
1990 - Water Stories
1991 - Sielmann 2000
1993 - Sielmann 2002
1993 - Australia
1994 - Apurimac II
1995 - A "Cusco" Christmas
1997 - The Best Of Cusco
1997 - Apurimac III
???? - Ancient Journeys - A Vision of the New World
???? - Inner Journeys - Myth & Legends
???? - Essential Cusco – The Journey

Bruno Sanfilippo

2009-08-07T18:27:00.005+02:00

www.bruno-sanfilippo.com

Bruno Sanfilippo, septiembre de 1965, San Isidro (Argentina).

Su inclinación musical se manifiesta desde pequeño. Su primer teclado fue un órgano 'Siel', un modelo sencillo. A los 20 años quería mejorar su técnica en el piano y leer mejor el pentagrama. Conoció a Patricio Migliazzo, que resultó ser su maestro y un genial compositor experimental. Con él estudió piano durante varios años y le preparó para el examen final de Profesor Superior de Música en el Conservatorio Galvani, en el barrio porteño de San Telmo, Buenos Aires.

Por esos años escuchaba lo que hacía Wendy Carlos con Bach; los discos de Vangelis, Mike Oldfield, Peter Gabriel, grupos de Rock Sinfónico y otros tantos.
Fue entonces cuando se sintió atraído por los sintetizadores y samplers y decidió montar su propio estudio.
A finales de los '80 estudió con Jorge Haro programación de sintetizadores y samplers. Después tomó un curso en Arte11 de composición musical aplicada al cine, teatro, danza y medios audiovisuales.

'Solemnis', ©1998 Solemnis

Discografía:

1991 - Sons of the Light
1995 - The New Kingdom
1998 - Solemnis
2000 - Suite Patagonia
2003 - Visualia
2004 - Indalo
2004 - ad Libitum
2005 - Anthology
2006 - InTRO
2007 - Piano Textures
2008 - Ambessence piano & drones
2009 - Auralspace

Entrevista

Mike Oldfield

2009-08-07T18:26:00.001+02:00

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Wendy Carlos

2009-08-07T18:25:00.001+02:00

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Blue Chip Orchestra

2009-08-07T13:38:00.005+02:00

Hubert Bognermayr, 1948-1999, Linz (Austria).
Harald Zuschrader, 1944, Linz (Austria).

Miembros del grupo de rock sinfónico Eela Craig, Bognermayr fue co-fundador del certamen anual Ars Electronica. Comenzaron a publicar como Bognermayr & Zuchsrader en 1982 con el álbum Erdenklang - Computerakustische Klangsinfonie, creado con el Fairlight CMI. El dúo abarcó estilos muy diversos (sinfónico, ópera, new age, etno-techno) en discos como Blue Danube (1991) o Red Sky Beat (1998).

Discografía:

Como Hubert Bognermayr & Harald Zuschrader:
1982 - Erdenklang - Computerakustische Klangsinfonie
1983 - Bergpredigt - Oratorium für Musikcomputer und Stimmen
1991 - Sternenklang

Como Blue Chip Orchestra:
1988 - Blue Chip Orchestra
1991 - Blue Danube
1997 - White River - Red Spirit
1998 - Red Sky Beat

Bernd Kistenmacher

2009-08-06T09:24:00.003+02:00

www.bernd-kistenmacher.blogspot.com

Compositor, arreglista y productor de música desde 1980, Bernd Kistenmacher ha publicado diversos LPs y CDs y ha dado conciertos en Alemania, Francia, Italia, Bélgica y Holanda.
Es fundador de dos sellos de música electrónica: Music Intemporelle y M.I.Records, además de escritor freelance para la revista alemana Synthesizer.

Discografía:

1986 - Head-Visions
1987 - Wake up in the Sun
1988 - Kaleidoscope
1989 - Outlines
1991 - Characters
1992 - Live & Studio Tapes
1995 - Starting Again
1995 - Stadtgarten Live
1996 - Thoughts
1997 - Compiled Dreams
1998 - Contrasts, Vol.I
1999 - Constrasts, Vol.II
1999 - My Little Universe
2001 - Un Viaggio Attraverso L'Italia
2002 - Berlin Live 85
2002 - Dresden 08/89
2002 - Electronic Goes Benefit
2002 - Music from Outer Space
2002 - Romantic Times
2002 - Totally Versmold
2002 - Treasure Box

Bas B. Broekhuis

2009-08-05T23:24:00.003+02:00

www.basbroekhuis.com

Bas B. Broekhuis, 1963, Eindhoven (Holanda).

Fascinado desde joven por la ciencia, comenzó a fabricarse sus propios generadores sonoros a la vez que descubría a Tangerine Dream, Kraftwerk y Vangelis. Tras varios proyectos fallidos, en 1988 editó sus primeras cassettes y en 1991 su primer CD, The Escher Drawings.
Participó en varias ediciones del festival KLEM y ha colaborado en álbumes y conciertos de Ron Boots, John Kerr o Mario Schönwälder. Actualmente se centra en labores de producción.

'The Synchronicity Of Live part 1'

Discografía:

1988 - Face Behind the Mask
1989 - Hydrhythmix
1989 - Dreamscapes
1990 - Universal Time Zone
1990 - Offshore Islands
1991 - The Escher Drawings
1994 - Forbidden
1994 - Spherical Bodies
1994 - Memories in Space
1995 - Legal Madness
1995 - Cashmere Moon
1996 - The Synchronicity of Life
1996 - Hydrhythmix
1997 - Wet Dreams
1999 - The Annazaal Tapes
2001 - 4-3-2
2002 - Wolfsburg
2003 - Liquid Sound Vol. 2 - The Manikin Marathon live @ Toskana Therme
2004 - Hydhrythmix
2004 - The Escher Drawings
2004 - Keller, Schönwälder & Friends
2005 - The Liquid Session
2005 - Musique des machines
2005 - The Hampshire Jam 2004
2005 - Spherical Bodies
2006 - Live @ Dorfkirche Repelen
2007 - Orange
2008 - Live @ Dorfkirche Repelen -2-

Mario Schönwälder

2009-08-05T23:23:00.002+02:00

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Vangelis

2009-08-05T23:22:00.007+02:00

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Ron Boots

2009-08-05T23:22:00.006+02:00

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John Kerr

2009-08-05T23:22:00.005+02:00

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Kraftwerk

2009-08-05T23:21:00.001+02:00

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Banco de Gaia

2009-08-03T20:34:00.004+02:00

www.banco.co.uk

Toby Marks, 1964, Londres (Reino Unido).

Proyecto de techno-ambient creado en 1993 por Toby Marks.
Fascinado por el budismo tibetano, las culturas asiáticas y las civilizaciones antiguas, su música evoca elementos sonoros de otras culturas en forma de samples étnicos, dentro del techno tendente hacia el ambient-dub.
En 1999 creó su propio sello, Gecko Records, concebido para editar parte de su obra.

'Down from the Mountain', ©2004 You Are Here

Discografía:

1991 - Medium
1992 - Freeform Flutes and Fading Tibetans
1992 - Deep Live
1994 - Maya
1995 - Last Train to Lhasa
1996 - Live at Glastonbury
1997 - Big Men Cry
1999 - The Magical Sounds of Banco de Gaia
2000 - Igizeh
2002 - 10 Years
2003 - Ten Years Remixed
2004 - You Are Here
2005 - Two Thousand And 4
2006 - Farewell Ferengistan
2009 - Memories Dreams Reflections

At-Mooss

2009-08-01T14:24:00.003+02:00

www.at-mooss.com

Joseph Loibant, Anthony Seagar, John Lakveet y Dom F. Scab.

Cuarteto de sintetistas formado en Barcelona en 1995. Entre 1995 y 1998 publicaron la trilogía Morphing Synthesizers en la que rendían homenaje a los pioneros de la música electrónica de los años 70, con un estilo ecléctico acorde a las cuatro personalidades que formaban el grupo.
En 2001 Loibant relanzó el grupo con la participación de otros músicos en su sello At-Mooss Records.

Discografía:

???? - The Arrow of Time
???? - Cyclotron
???? - Morphing Synthesizers
1997 - Morphing Synthesizers II
1998 - Morphing Synthesizers III

John Lakveet

2009-08-01T14:23:00.005+02:00

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Dom F. Scab

2009-08-01T14:23:00.004+02:00

Dom F. Scab, 1965, Barcelona (España).

Formó parte del proyecto de música electrónica At-Mooss entre 1995 y 1998. Inicia ese año su carrera en solitario con Innerseed. Su estilo musical se sitúa a caballo entre potentes secuencias analógicas, sugerentes ambientes planeadores y un gran sentido melódico, como queda demostrado en su segundo trabajo en solitario Binary Secrets. Además ha colaborado con músicos como John Lakveet (Silent Mars, 2000) o Albert Giménez (Cosmic-Ni, 1999).

Discografía:

1998 - Innerseed
1999 - Cosmic-Ni (Live in Barcelona)
2000 - Silent Mars
2001 - Binary Secrets
2002 - Analogical Confessions
2002 - Facta
2003 - About a Tree
2004 - Twelve Stories
2005 - Crosswords

Joseph Loibant

2009-08-01T14:22:00.006+02:00

www.at-mooss.com

Fuente: Joseph Loibant

Joseph Loibant es el creador de la marca registrada y patentada At-Mooss (At-Mooss Records, At-Mooss Studios y At-Mooss Architecture).

Fundador y miembro de las bandas: Program@, At-Mooss, Visionary, MC2 y Plastha's Mountage.

Joseph Loibant es músico y arquitecto superior.

Ha compuesto realizado y producido también música para teatro (T.E.I.) y cine documental (Olympic Museum, Quatre Columnes, Couler et Ambiant, Anatomia del disseny...).

Su discografía se define como música electrónica instrumental avanzada.

Discografía en solitario:

Sine
Pulse
Random
Nucleus
Regression Alpha
Fire comet
Rotor [C]
C1E2C5 (Quatre columnes)
Mystery
Imagery
Empathy
Shadowy
Cyclo's
BYconvolution
C-O-D-E--01-07
Mach 1
reiter/action
RADAR LINES
HE3
modulator
IO
IO2
IO3
inGRAVITATION
subGRAVITATION
hiGRAVITATION
IN OTHER DIMENSIONS
DUAL PHASE
THE GRAND SPACE
Devonic 123
Devonic 456
Nebula I
Nebula II

Discografía en Program@:

Ashes
Phoenix

Discografía en At-Mooss:

Morphing synthesizers
Morphing synthesizers II
Morphing synthesizers III
CYCLOTRON
The Arrow of Time

Discografía en Visionary:

Crystal City
Atlantis

Discografía en MC2:

Energy

Discografía en Plastha's Mountage:

Protoplastha's
Iconoplastha's

con Carlos Guirao:

Alchemy

Anthony Seagar

2009-08-01T14:22:00.003+02:00

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Harmunt Enke

2009-08-01T13:38:00.007+02:00

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Ashra

2009-08-01T13:38:00.006+02:00

www.ashra.com

Manuel Göttsching, 9 de septiembre de 1952, Berlín (Alemania).

Fuente: www.ashra.com

Ash Ra Tempel fue creado por Klaus Schulze, Manuel Göttsching y Harmut Enke en Berlín en 1970.

Iniciada como banda de krautrock, tras su primer LP Schulze deja el grupo para iniciar su carrera en solitario.
Liderada por el guitarrista Göttsching, la banda evoluciona hacia el uso de sintetizadores en discos como New Age of Earth (1976) y reduce su nombre a Ashra y a un solo miembro, el propio Göttsching, aunque posteriormente tendrá colaboradores como Lutz Ulbrich.

'Sunrain', ©1976 New Age of Earth

Discografía:

1971 - Ash Ra Tempel
1972 - Schwingungen
1973 - Seven Up
1973 - Join Inn
1973 - Starring Rosi
1975 - Inventions for Electric Guitar
1976 - New Age of Earth
1977 - Blackouts
1979 - Correlations
1980 - Belle Alliance
1984 - E2-E4
1989 - Walkin' the Desert
1991 - Dream & Desire (grabado en 1977)
1991 - Tropical Heat (grabado en 1985/1986)
1993 - Le Berceau de Cristal (grabado en 1975)
1998 - Sauce Hollandaise
1998 - @shra
2000 - Friendship
2000 - Gin Rosé at the Royal Festival Hall
2002 - @shra Vol. 2
2002 - The Making Of
2008 - Belle Alliance Plus
2008 - Correlations Complete
2008 - @shra + @shra Vol. 2

Manuel Göttsching

2009-08-01T13:37:00.001+02:00

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Arto Tunçboyaciyan

2009-07-31T14:22:00.003+02:00

www.naregatsi.org/Artoistan

Arto Tunçboyaciyan, 1957, Galataria (Turquía).

Fuente: www.naregatsi.org/Artoistan

De origen armenio con raíces en Anatolia, una de sus mayores influencias musicales fue su hermano Onno, músico también, que ayudó a Arto a desarrollar su personalidad no sólo como músico, sino como hermano y amigo.
A los 11 años empezó su carrera grabando y actuando en Turquía y Europa.

En 1981 se traslada a los Estados Unidos para experimentar nuevas influencias y añadir una nueva dimensión a su visión de la vida. Desde entonces ha estado dando conciertos en solitario presentando su propia música por todo el mundo.
Tras grabar dos álbumes en 1985 comenzó a colaborar con el intérprete armenio de ud Ara Dinkjian con el que grabó dos discos, Tears of Dignity y Onno para el sello griego Libra Music. Onno es un homenaje a su hermano Onno Ohannes Tunçboyaciyan, fallecido en 1996. Con Ara Dinkjian fundó el grupo Night Ark.
En 1998 colabora en el proyecto italiano Triboh, concebido y co-dirigido con la vocalista Maria Pia De Vito y la pianista Rita Marcotulli.

En la actualidad trabaja con músicos armenios con los que ha formado su grupo, The Armenian Navy Band.

'About My Jacket', ©1999 New Apricot

Discografía:

1989 - Virgin Land
1994 - Main Root
1996 - Tears of Dignity
1996 - Onno, 1948-1996
1999 - Bzdik Zinvor
1999 - New Apricot
2000 - Every Day Is a New Life
2000 - Matthew Garrison
2000 - The Grande Passion
2000 - Journey with the SUN
2001 - Aile Muhabbeti
???? - Heaven and Earth
2002 - Soft Anatolian Music
2005 - How Much Is Yours?
2005 - Love Is Not In Your Mind

oud

2009-07-31T14:21:00.002+02:00

Similar al laúd árabe de mástil bastante más corto, este instrumento de origen muy antiguo es según autores un antecesor de las mandolinas italianas. Actualmente su uso está generalizado en Turquía, los países árabes y en todo el Magreb.

Tiene 12 cuerdas de nylon pareadas en 6 órdenes. La longitud del mástil es de 62 cms. Las clavijas para tensar las cuerdas son de madera. Tiene un agujero grande de resonancia y dos pequeños, aunque hay variantes para los orificios de sonido, incorporando casi siempre finos trabajos de punteado.

Andy Pickford

2009-07-29T14:19:00.003+02:00

www.andypickford.co.uk

Andy Pickford, Nottingham, 1965.

Fuente: www.andypickford.co.uk

Espoleado desde niño por el sonido electrónico de los programas de radio y TV de la BBC, tomó clases de órgano y pronto descubrió la música de Jean Michel Jarre y Tomita. Frustrado tras unos fallidos pasos en la música pop, logró que su música sonara en la emisora de la BBC en Derby. En 1993 editó su primer CD, Replicant, al que siguieron Terraformer (1994), Maelstrom (1995) y Xenomorph (1996), entre otros. También fue el creador de la asociación EMMA.

Discografía:

1993 - Replicant
1994 - Terraformer
1995 - Maelstrom
1996 - Xenomorph

Isao Tomita

2009-07-29T14:17:00.002+02:00

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Jean Michel Jarre

2009-07-29T14:16:00.002+02:00

jeanmicheljarre.com

Fuente: www.jeanmicheljarre.com

Jean-Michel André Jarre, Lyon (Francia), 24 de agosto de 1948.

Discípulo de Pierre Schaeffer, probablemente es a día de hoy el sintetista que ha cosechado mayor éxito y proyección internacional, con más de 60 millones de álbumes vendidos en todo el mundo. Pionero de los eventos multimedia para varios millones de espectadores, ha publicado varios de los álbumes más influyentes dentro de la escena mundial de música electrónica.

En 1976 sorprende al mundo colocándose en el número 1 de las listas con 'Oxygene'. Este acontecimiento todavía no ha logrado ser superado en Francia, donde lleva vendidas 12 millones de copias. En 1978 consigue entrar en el Libro Guinness de los Récords por su concierto en la Place de la Concorde de París ante 1 millón de personas. En 1997 Jarre entraría por tercera vez en el Guinness (anteriormente lo había hecho por su concierto en Houston): en esta ocasión lo hace por su concierto en Moscú ante 3 millones y medio de personas.
El 31 de diciembre de 1999 es comisionado por el gobierno egipcio para crear su histórico Concierto del Milenio, desde la puesta del sol hasta el amanecer, al pie de las Grandes Pirámides en El Cairo ante 120.000 personas. Se estima que han sido más de 2 billones de personas las que siguieron el evento a través de la televisión.

Jean Michel Jarre es miembro de la UNESCO y Embajador de Buena Voluntad Para la Tolerancia y la Juventud desde 1993.

Discografía:

1971 - La Cage / Erosmachine
1972 - Deserted Palace
1973 - Les Granges Brulées
1976 - Oxygene
1978 - Equinoxe
1981 - Magnetic Fields
1982 - Concerts in China, vol.1
1982 - Concerts in China, vol.2
1983 - Music for Supermarkets
1983 - The Essential
1984 - Zoolook
1985 - The Essential
1986 - Rendez-Vous
1987 - Houston-Lyon
1988 - Revolutions
1989 - Jarre Live - Destination Docklands
1990 - Waiting for Cousteau
1991 - Images
1993 - Chronologie
1994 - Hong Kong
1997 - Oxygene 7-13
1998 - Odyssey Through O2
2000 - Métamorphoses
2002 - Sessions 2000
2003 - Geometry of Love
2004 - Aero
2005 - Gdansk - Live
2005 - Jarre in China - Live
2007 - Téo & Téa
2007 - Oxygene 5.1

Andreas Leifeld

2009-07-29T13:35:00.005+02:00

www.andreas-leifeld.de

Andreas Leifeld, Alemania.

Fuente: www.andreas-leifeld.de

Estudios: electrónica, música, arte, diseño por ordenador.
Cursos prácticos: ingeniero de sonido, ZDF, Telefunken.
Música en directo: bajo, guitarra, teclados, secuencias, dj.
Estilo: tecno, electrónico, trip hop, jazz, funk, ambient.
Vídeos: vídeos musicales experimentales, conciertos, performances.
Composiciones por encargo: jingles, coreografías, performances.

'Trieb.Werk', ©2000 Phase One

Discografía:

1990 - Mysterious Messages
1991 - Discoveries
1992 - Dance of the Elements
1993 - Something Happens
1996 - Communication EP
1998 - Next Step
1998 - Harthouse
2000 - Trieb.Werk - Phase One
2005 - Natural Frequencies - Ornamental Journey
2006 - Natural Frequencies - Tranquility in Motion

Alpha Wave Movement

2009-07-28T21:42:00.004+02:00

www.home.earthlink.net/~alphawav/

Gregory T. Kyryluk, músico electrónico afincado en Florida.

Sus dos primeros álbumes, Transcendence y The Edge of Infinity le dieron pronto a Alpha Wave Movement fama y reputación como un nombre a tener en cuenta en la escena de la música electrónica. Su álbum The Concept of Motion es una excursión por un estilo más rítmico y enérgico.

Discografía:

1996 - Transcendence
1997 - The Edge of Infinity
1999 - The Concept of Motion
2000 - Drifted into Deeper Lands
2000 - Bislama
2002 - A Distant Signal
2003 - Cosmology
2004 - Ephemeral Highways
2005 - Beyond Silence
2007 - The Regions Between
2007 - The Mystic & The Machine
2008 - Terra

Alhedion

2009-07-28T14:17:00.002+02:00

Krzysztof y Darius.

Alhedion es un grupo formado por Krzysztof y Darius que en 2001 grabaron su primer CD, Kosmische Spuren eines Lebens (que significa "las trazas cósmicas de una vida") en el sello alemán Invisible Shadows con la colaboración de Detlef Keller y RAMP. Su música tiene momentos muy ambientales con ligeras secuencias y también ritmos más vibrantes.

Discografía:

2001 - Kosmische Spuren eines Lebens

Invisible Shadows

2009-07-28T14:16:00.002+02:00

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Detlef Keller

2009-07-28T14:15:00.004+02:00

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RAMP

2009-07-28T14:15:00.003+02:00

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AirSculpture

2009-07-26T18:56:00.005+02:00

www.softbase.co.uk/as/band.html

Adrian Beasley, John Christian y Peter Ruczynski.

Fuente: www.softbase.co.uk/as/band.html

Interpretan en directo música electrónica improvisada. Para clasificarlos, lo más aproximado tal vez sería compararlos con la formación de Tangerine Dream que va desde mediados de los '70 hasta mediados de los '80, quizás más hacia el principio de este período. Toda su música está interpretada en directo sin mayor preparación previa, lo que incluye las secuencias que se crean en directo sobre el escenario utilizando un paquete de secuenciado diseñado especialmente para ello por AirSculpture.

Discografía:

1995 - Impossible Geometries
1995 - Attrition System
1996 - Amazonian EP
1997 - Europa
1998 - Thunderhead
1999 - Fjord Transit
2001 - Quark Soup

Meredith Monk

2009-07-14T15:13:00.001+02:00

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John Adams

2009-07-13T22:44:00.003+02:00

www.earbox.com

John Coolidge Adams, 15 de febrero de 1947, Worcester, Massachusetts (Estados Unidos).

Fuente: Wikipedia

Compositor y director de orquesta angloamericano, uno de los más conocidos y más a menudo interpretados en su país.

Su creatividad abarca una amplia gama de medios: obras orquestales, ópera, vídeo, película, y danza, así como música electrónica e instrumental. Composiciones suyas como Harmonium, Harmonielehre, Shaker Loops y The Chairman Dances están entre las más conocidas y frecuentemente interpretadas de la música contemporánea americana. En estas obras ha llevado el minimalismo a un terreno nuevo y fresco, caracterizado por las sonoridades luminosas y por un fuerte y dramático acercamiento a las formas musicales.

El primer recuerdo musical de John Adams es estar sentado en la sala de estar de su casa de Nueva Inglaterra escuchando grabaciones. Como ha observado “crecí en una casa donde Benny Goodman y Mozart no estaban separados”. Cuatro décadas más adelante, sigue siendo esa apertura a cada variedad de música –angloamericana y europea, vieja y nueva, arte “elevado” o pop "vulgar"– lo que hace que las composiciones de John Adams sean tan distintas. Como Andrew Porter escribió en «The New Yorker», Adams es el creador de un “nuevo lenguaje, flexible, capaz de producir obras de gran escala atractivas y formalmente fuertes. La suya es una música (...) maravillosa”. «Le Monde» dice que su música “... da la impresión de una libertad redescubierta, de una puerta abierta que deja entrar el aire fresco en grandes ráfagas.”

Su música ha desempeñado un papel decisivo en dar la vuelta a la corriente estética teórica del modernismo europeo y conducir a la música hacia un nuevo lenguaje más expresivo, propio del Nuevo Mundo.

Leer el excelente artículo completo en la Wikipedia

tabla

2009-07-13T22:29:00.003+02:00

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John Cage

2009-07-13T22:26:00.002+02:00

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Wim Mertens

2009-07-13T22:03:00.006+02:00

www.wimmertens.be

Wim Mertens, 14 de mayo de 1953, Neerpelt, Bélgica.

Fuente: Wikipedia

Compositor, cantante contratenor, pianista, guitarrista y musicólogo belga.

Mertens estudió Ciencias Sociales y Políticas en la Universidad de Lovaina (graduándose en 1975), así como Musicología en la Universidad Ghent; también estudió Teoría Musical y piano en el Real Conservatorio de Gent y Bruselas. En 1978, se convirtió en productor en el entonces BRT (Radiotelevisión Belga). Para Radio 2 (Radio Brabant) produjo conciertos de Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Meredith Monk, Urban Sax y otros, y tuvo un programa llamado Funky Town junto con Gust De Meyer (con el que grabó el CD experimental For Amusement Only).

Conocido sobre todo como compositor desde los últimos años setenta, Mertens es reconocido por su obra Struggle for Pleasure, la cual fue elegida como música para los anuncios del operador de GSM belga Proximus. Es también conocido por su pieza Maximizing the Audience, que fue compuesta para la obra de Jan Fabre The Power of Theatrical Madness, estrenada en 1984 en Venecia, Italia.
El estilo de Mertens, aunque en continua evolución durante el transcurso de su prolífica producción, roza el minimalismo, la música ambiental y el avant-garde, normalmente, en cualquier caso, preservando la melodía de las incursiones que realiza en los mundos que explora.

La música de Mertens fue usada junto con la de Glenn Branca en la película de Peter Greenaway The Belly of an Architect (1987). Mertens también grabó bajo el nombre «Soft Verdict» y es el autor del libro American Minimal Music, acerca de la escuela de la música repetitiva americana, también llamada "minimalista".

En marzo de 1998 Mertens se convirtió en el Embajador Cultural de Flandes.

En agosto de 2007 Mertens firmó un contrato con EMI Music Belgium, sello que está realizando un ambicioso plan de relanzamiento de todo el repertorio anterior del compositor desde enero de 2008. Su "oeuvre intégrale" estará disponible de forma digital y para todo el mundo. No es la primera vez que EMI y Mertens trabajan conjuntamente, ya que en 1999 la banda sonora de la película de Paul Cox Padre Damián fue editada por este sello discográfico.

Compositor afamado, Mertens da múltiples conciertos anuales por todo el mundo, generalmente en tres formatos:

Wim Mertens Solo, como solista de piano y voz.
Wim Mertens Duo, acompañado en algunos casos de violín y en otros de un saxofón soprano.
Wim Mertens Ensemble, con un conjunto de diferentes voces e instrumentos.

De este último tipo es el concierto grabado el 30 de septiembre de 2005 en el teatro De Roma, Amberes, y publicado en el DVD What You See Is What You Hear (2006). En esta ocasión Mertens dirigió un conjunto de 12 músicos compuesto por él mismo aportando voz y piano, un quinteto de cuerda (2 violines, viola, violonchelo y contrabajo) y un coro a tres voces blancas (2 sopranos, 2 mezzosopranos y 2 contraltos).

Gavin Bryars

2009-07-13T22:02:00.010+02:00

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Arvo Pärt

2009-07-13T22:02:00.009+02:00

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Michael Nyman

2009-07-13T22:02:00.008+02:00

www.michaelnyman.com

Michael Nyman, 23 de marzo de 1944.

Fuente: Wikipedia

Pianista, musicólogo y compositor minimalista británico, conocido sobre todo por las obras escritas durante su larga colaboración con el cineasta británico Peter Greenaway.

Nyman (que estudió con el académico Thurston Dart, experto en música barroca en el King's College de Londres) se ha inspirado frecuentemente en Música antigua en sus composiciones para los largometrajes de Greenaway: Henry Purcell en El Contrato del Dibujante y El Cocinero, el Ladrón, su Mujer y su Amante, El Piano, Heinrigh Ignaz Franz von Biber en Zoo (A Zed & Two Noughts), Mozart en Conspiración de Mujeres (Drowning by Numbers) y John Dowland en Prospero's Books.

Su popularidad se disparó después de componer la banda sonora de la galardonada película de Jane Campion El Piano (1993). La película no fue nominada por la Academia a pesar de haberlo sido por la Academia Británica y para el Globo de Oro. Ha compuesto bandas sonoras para muchos otros filmes, la gran mayoría de ellos obras de autores independientes europeos.

Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para su propio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976 para una producción de Carlo Goldoni titulada Il Campiello. El conjunto estaba compuesto originalmente por instrumentos antiguos como el rebec y la chirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón (incluido para conseguir un sonido lo más fuerte posible sin usar amplificación), pero pasó a usar un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxofones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sido modificada para algunos trabajos.

Nyman también escribió un trabajo seminal en 1974 sobre música experimental llamado Experimental Music: Cage and Beyond, que exploraba la influencia de John Cage en los compositores de música clásica europea. También es reconocido por haber sido el primero en aplicar el término "minimalismo" a la música, en un artículo de 1968 en The Spectator sobre el compositor inglés Cornelius Cardew.

Ha grabado música pop, con los Flying Lizards.

La Monte Young

2009-07-13T21:59:00.002+02:00

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Terry Riley

2009-07-13T21:58:00.004+02:00

www.terryriley.com

Terry Riley, 1935, Colfax, California (Estados Unidos).

Fuente: Wikipedia

Comenzó con una educación musical formal pero pronto se sintió atraído por la música de John Cage, los experimentos de La Monte Young, las improvisaciones del jazz y la música clásica del norte de India. Siendo su influencia más notoria la de su profesor Pandit Pran Nath, un maestro de Cante Clásico Indio, que también enseñaría a La Monte Young y Maria Zazeela. Riley realizó numerosos viajes a la India para el estudio de la rítmica de varios instrumentos musicales como la tabla, tambura y voz.

Ha desarrollado técnicas de improvisación musical basadas en la utilización de magnetófonos y compuesto obras como In C (En do mayor) (1964) que han tenido un fuerte impacto en la vanguardia musical. La grabación de sus obras Poppy No Good and the Phantom Band (1967) y A Rainbow in Curved Air (1969) le dieron a conocer entre el gran público.

Su obra más conocida es In C, compuesta en 1964, donde se revela sobre todo la influencia de su colaboración con La Monte Young y el grupo Fluxus en Nueva York, así como el trabajo que realizó en los estudios de Radio France con grabaciones en cinta. Inspirado en la experimentación con el desfase, la superposición y la repetición de sonidos grabados, Riley estructuró la música de In C a partir de 53 frases musicales o módulos de diversa longitud que cada intérprete puede repetir libremente sobre un pulso constante en la nota Do. Sin embargo, hay procesos indeterminados en las repeticiones y en la manera que los intérpretes las ejecutan, por lo que el resultado final es una compleja e impredecible red de cánones, polirritmias y énfasis armónicos.

BSC Music

2009-07-06T22:39:00.002+02:00

www.bscmusic.com

Fuente: www.bscmusic.com

BSC Music se fundó en octubre de 1988 en Münich, Alemania, por el batería y ejecutivo Christoph Bühring-Uhle junto con el saxofonista y periodista musical Stolberg. En su anterior trabajo como director de marketing de la cadena líder minorista alemana WOM (World of Music), Bühring-Uhle ya había iniciado el departamento de publicación de música del mundo, editando obras de Inker & Hamilton, Jolly Kunjappu y Florian Poser en el sello WOM.
Siguiendo su sueño de una compañía de música independiente, los dos amigos compraron el ala de publicación de WOM y pronto empezaron a editar sus mejores obras bajo una serie de nuevos sellos.
Tras llevar en el negocio de la música durante más de una década, a los dos fundadores no les apetecía nada competir con las grandes empresas multinacionales en la corriente principal del mercado pop. Además, sólo querían publicar música con la que pudieran tener un compromiso emocional.
Prudence, un sello dedicado exclusivamente a publicar nueva música instrumental, se convertiría en el núcleo de su nueva compañía, BSC Music. A principios de los años noventa, BSC empezó a trabajar con músicos británicos de primer orden como Rupert Hine y The Fixx en el recién creado sello R'n'D. Al mismo tiempo, también se inició una cooperación con otra joven compañía, Traumwelt Entertainment. Juntos dirigen el sello Traumwelt, que recientemente ha desempeñado un papel fundamental en el renacimiento del alemán "Schlager".
Por aquella época se puso en marcha un exitoso programa de televisión titulado "Der Wahre Grand Prix (El Verdadero Gran Premio)", que se convirtió en un catalizador de la nueva ola de artistas de Schlager como el participante en el Gran Premio de Eurovisión Guildo Horn y el dúo Cliff y Rexonah.
Hoy en día BSC lleva varios sellos estilísticamente diversos: PRUDENCE es la sede de música instrumental de gran clase; R'N'D, lleva los álbumes rock y pop de músicos de habla inglesa; MundArt publica artistas en dialecto bávaro y ROTZ + WASSER es sello exclusivo para LustfingeR, los héroes del Punkrock de Alemania del Sur. Pero el principal interés del repertorio de BSC se encuentra en Prudence con "Música Cosmopolita": New Age, World Music, Reggae, Easy Listening, Smooth Jazz, Folk, Ambient, Música Electrónica y bandas sonoras.
Muchos de los artistas de Prudence, como Cusco, Blonker, Michael Rother, Gandalf, Ginkgo Garden, Leni Stern y Bernward Koch, gozan de fama en todo el mundo en sus respectivos géneros. Sólamente Cusco ha vendido más de dos millones de discos en todo el mundo.
Después de diez años en el pueblo bávaro de Icking, situado en el romántico valle de Isar, BSC trasladó su sede a principios de 1999 a Münsing en el Lago Starnberger, asimismo cerca de Münich y en un entorno también muy idílico. La plantilla de BSC siempre ha preferido vivir y trabajar cerca de la madre naturaleza, en un entorno tranquilo y pacífico, pero que a la vez no se encontrase lejos de la ciudad de Münich con su aeropuerto internacional.
En los últimos años, BSC ha limitado su producción anual a no más de 12 publicaciones. De esta forma, cada álbum recibe toda la atención que se merece.
Todas las ediciones de BSC están disponibles en todo el mundo. La compañía cuenta con distribuidores en todo el mundo.

Biosphere

2009-06-28T18:48:00.005+02:00

www.biosphere.no

Geir Jenssen, Tromso (Noruega).

Fuente: www.biosphere.no

"Trabajo despacio", dijo Geir Jenssen en 1994, cuando se le preguntó por el espacio de tres años entre sus dos primeros discos bajo el nombre de Biosphere.
En 1990, teniendo noticias del proyecto Biosphere 2 Space, una cúpula gigante de cristal sellada en el desierto de Arizona, todavía en sus fases primitivas, Geir decide adoptarlo como su nuevo alias. La Biosfera de Geir Jenssen pretende crear un universo autocontenido. Una vez dentro, experimentamos el mundo exterior a través de la ventana esférica.
Jenssen ha decidido establecerse permanentemente en su lugar de nacimiento, Tromso, Noruega, 400 millas al norte del Círculo Polar Ártico, habiendo pasado temporadas en Bruselas y Oslo. La razón: porque abre enormes espacios exactamente en el centro muerto de tu claustrofobia urbana. Es el punto de vista de un astronauta que contempla el planeta Tierra desde el espacio exterior y lo refleja a los billones de diminutos seres que viven allí abajo. Alguien lo llamó "sonido ártico". Tal vez.

Geir Jenssen formó parte del grupo Bel Canto a finales de los ochenta, cuando firmaron por Crammed Discs en Bruselas, y tras dos álbumes abandonó el grupo.
Su disco 'Substrata', de 1997, está considerado como el "mejor álbum ambient de todos los tiempos".

'Laika', ©2000 instalación de sonido

Discografía:

1991 - Microgravity
1993 - The Fires of Ork
1994 - Patashnik
1996 - The Best of Biosphere
1996 - Polar Sequences
1997 - Insomnia
1997 - Substrata
1998 - Nordheim Transformed
2000 - Cirque
2000 - The Fires of Ork 2
2000 - Birmingham Frequencies
2001 - Substrata + The Man with the Movie Camera
2002 - Shemzhou
2004 - Autour de la Lune
2004 - The Fires of Ork
2005 - Dropsonde LP
2006 - Dropsonde CD
2006 - Cho Oyu8201m
2009 - Wireless

Bel Canto

2009-06-28T18:47:00.002+02:00

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