Con la llegada de la corriente new age se han generado diversas formas de hacer música que escapan a una etiqueta convencional. La música electrónica, la música espacial, el ambient, diversas músicas étnicas, la fusión, el minimalismo, la “música contemporánea”, experimental... Todas ellas acaban englobándose en un concepto mucho más amplio y abstracto que, a fuerza de ser ambiguo, acaba no definiendo nada en concreto. Llamémosle, pues, “nuevas músicas”.
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pop
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escuela de Berlín
Fuente: Wikipedia
Se refiere a una generación de artistas de música electrónica y una escena musical que tienen en común la ciudad de Berlín como centro de operaciones. Entre los músicos más influyentes destacan Klaus Schulze, Tangerine Dream y Ash Ra Tempel.
La escuela de Berlín es fruto del krautrock. Se tiende a identificar con la kosmische musik, alejándose por tanto de la mucho más rítmica Escuela de Düsseldorf que incluía a bandas como Can, Cluster, Kraftwerk y Neu!.
La época clásica de la Escuela de Berlín comienza estrictamente con la publicación del álbum Phaedra por Tangerine Dream (1974). Podría decirse que esta era terminaría con el disco Hyperborea del mismo grupo y publicado en 1983.
Durante este tiempo, otras obras significativas de grupos clásicos del estilo incluirían los álbumes de Klaus Schulze Timewind (1975) y Moondawn (1976), considerado como su primera obra que se puede encuadrar claramente en el género.
Jean Michel Jarre se une al estilo con su disco Oxygène del mismo año. Tangerine Dream, por su parte, continuó su labor con el disco de estudio Stratosfear y la banda sonora de la película Sorcerer. En 1977, Ash Ra Tempel (Manuel Göttsching) publica New Age of Earth y Vangelis su álbum Spiral. Tangerine Dream sale de gira por Estados Unidos y publica su doble álbum Encore.
Cada artista tenía un estilo único. Tangerine Dream llevaba a cabo una secuenciación compleja que combinaba múltiples líneas de color en su música, a través de la secuenciación en vivo mediante la utilización del secuenciador analógico como si de un instrumento para tocar en directo se tratara. Se ha afirmado que el tipo de estructuras catárticas de ritmo y sonido de sus 'Años Virgin' bebe de la tradición minimalista de Terry Riley. Jean Michel Jarre, por su parte, desarrollaba temas con un bajo dominante y profundo. Klaus Schulze utilizaba secuencias cortas e hipnóticas, una octava o dos más altas que las de otros coetáneos como Michael Hoenig, cuyos patrones cambiaban constantemente. Schulze destaca, por otra parte, por tocar sus secuencias en teclado en vivo, introduciendo así modulaciones en sus piezas.
El estilo se caracteriza por cósmicos riffs de guitarra eléctrica u otras melodías de sintetizador acompañadas por complejas líneas de bajo secuenciadas. Las improvisaciones de la voz solista configuraban la vertiente humana de esta música frente al sonido frío y robótico de las líneas de bajo. Eran habituales los efectos de sonido como el viento, las ráfagas de Mellotron, el sonido de flautas o los arreglos de cuerdas tanto orgánicas como sintetizadas. Con frecuencia también se incluían piezas ambientales o experimentales, normalmente como intros en los discos. La mayor parte de las canciones eran instrumentales, utilizándose las vocales sólo de modo esporádico.
Un tema clásico de la Escuela de Berlín podía durar típicamente alrededor de veinte o treinta minutos, llenando toda una cara de un LP. Esta duración extensa es uno de los sellos distintivos del género. Tras la llegada del CD, los artistas dejaron de estar limitados por la duración del vinilo, pudiendo alargar sus composiciones tanto como desearan.
Se refiere a una generación de artistas de música electrónica y una escena musical que tienen en común la ciudad de Berlín como centro de operaciones. Entre los músicos más influyentes destacan Klaus Schulze, Tangerine Dream y Ash Ra Tempel.
La escuela de Berlín es fruto del krautrock. Se tiende a identificar con la kosmische musik, alejándose por tanto de la mucho más rítmica Escuela de Düsseldorf que incluía a bandas como Can, Cluster, Kraftwerk y Neu!.
La época clásica de la Escuela de Berlín comienza estrictamente con la publicación del álbum Phaedra por Tangerine Dream (1974). Podría decirse que esta era terminaría con el disco Hyperborea del mismo grupo y publicado en 1983.
Durante este tiempo, otras obras significativas de grupos clásicos del estilo incluirían los álbumes de Klaus Schulze Timewind (1975) y Moondawn (1976), considerado como su primera obra que se puede encuadrar claramente en el género.
Jean Michel Jarre se une al estilo con su disco Oxygène del mismo año. Tangerine Dream, por su parte, continuó su labor con el disco de estudio Stratosfear y la banda sonora de la película Sorcerer. En 1977, Ash Ra Tempel (Manuel Göttsching) publica New Age of Earth y Vangelis su álbum Spiral. Tangerine Dream sale de gira por Estados Unidos y publica su doble álbum Encore.
Cada artista tenía un estilo único. Tangerine Dream llevaba a cabo una secuenciación compleja que combinaba múltiples líneas de color en su música, a través de la secuenciación en vivo mediante la utilización del secuenciador analógico como si de un instrumento para tocar en directo se tratara. Se ha afirmado que el tipo de estructuras catárticas de ritmo y sonido de sus 'Años Virgin' bebe de la tradición minimalista de Terry Riley. Jean Michel Jarre, por su parte, desarrollaba temas con un bajo dominante y profundo. Klaus Schulze utilizaba secuencias cortas e hipnóticas, una octava o dos más altas que las de otros coetáneos como Michael Hoenig, cuyos patrones cambiaban constantemente. Schulze destaca, por otra parte, por tocar sus secuencias en teclado en vivo, introduciendo así modulaciones en sus piezas.
El estilo se caracteriza por cósmicos riffs de guitarra eléctrica u otras melodías de sintetizador acompañadas por complejas líneas de bajo secuenciadas. Las improvisaciones de la voz solista configuraban la vertiente humana de esta música frente al sonido frío y robótico de las líneas de bajo. Eran habituales los efectos de sonido como el viento, las ráfagas de Mellotron, el sonido de flautas o los arreglos de cuerdas tanto orgánicas como sintetizadas. Con frecuencia también se incluían piezas ambientales o experimentales, normalmente como intros en los discos. La mayor parte de las canciones eran instrumentales, utilizándose las vocales sólo de modo esporádico.
Un tema clásico de la Escuela de Berlín podía durar típicamente alrededor de veinte o treinta minutos, llenando toda una cara de un LP. Esta duración extensa es uno de los sellos distintivos del género. Tras la llegada del CD, los artistas dejaron de estar limitados por la duración del vinilo, pudiendo alargar sus composiciones tanto como desearan.
jazz
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lounge
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chillout
Chill out en inglés significa relajarse, aunque también se aplica este término a un género de música electrónica, muy suave y donde la intención es interpretar distintas melodías, dependiendo del estado de ánimo de la persona. Uno de los referentes es una colección de discos editados por un bar de Ibiza, en España, que se llama Café del Mar, famoso por su chillout a la puesta del sol.
Este género se caracteriza ante todo por la forma suave en que se combinan o remezclan algunos géneros tales como ópera, flamenco, vals peruano, huaino peruano, bossa nova, tango y algunos otros géneros étnicos árabes e indios. Junto con el ambient y el lounge (este es una variación del house), estos tres géneros han acaparado gran cantidad de seguidores en el mundo por su sencillez y por su rica variación étnica. Como ejemplo tenemos álbumes como: Café del mar, Bajo Fondo Tango Club, Zen Beats, Buddha Chill Out Lounge, Timbiriche Chillout + Dance, Cholo soy Peruvian Waltz Chillout, Adagio Chill Out y Cafe Inkaterra, Novalima, entre otros.
Este género se caracteriza ante todo por la forma suave en que se combinan o remezclan algunos géneros tales como ópera, flamenco, vals peruano, huaino peruano, bossa nova, tango y algunos otros géneros étnicos árabes e indios. Junto con el ambient y el lounge (este es una variación del house), estos tres géneros han acaparado gran cantidad de seguidores en el mundo por su sencillez y por su rica variación étnica. Como ejemplo tenemos álbumes como: Café del mar, Bajo Fondo Tango Club, Zen Beats, Buddha Chill Out Lounge, Timbiriche Chillout + Dance, Cholo soy Peruvian Waltz Chillout, Adagio Chill Out y Cafe Inkaterra, Novalima, entre otros.
Podcast #616, especial Café del Mar Podcast #555
música acústica
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world music
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new age
Fuente: Wikipedia
El New Age es un género musical creado por diferentes estilos cuyo objetivo es crear inspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por los que practican yoga, masaje, meditación, y lectura como método para controlar el estrés o para crear una atmósfera pacífica en su casa o en otros entornos y suele asociarse al ecologismo y a la espiritualidad New Age.
Las melodías suelen ser repetitivas para crear una sensación hipnótica y a veces se utilizan sonidos de la naturaleza como introducción a un tema o a una pieza. Son frecuentes las piezas largas de hasta treinta minutos o incluso más.
La música New Age suele ser electrónica, normalmente basándose en pads de sintetizador sostenidos o largos temas de secuenciador, aunque cada vez es más frecuente que se incluyan instrumentos convencionales como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia gama de instrumentos acústicos no occidentales.
Los arreglos vocales no abundan en la música New Age, caracterizándose por ser generalmente temas instrumentales, pero a medida que fue evolucionando las voces se hicieron más frecuentes, especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito o música tibetana. Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las creencias New Age, mientras que otros grupos no consideran que su propia música pertenezca a esta forma de pensamiento.
música concreta
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minimalismo
(Calco del ingl. minimal art).
1. m. Corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, lenguaje sencillo, etc.
Steve Reich: "Music for 18 Musicians" - opening thru section II
Fuente: Wikipedia
La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental o música downtown que empezó a ser creada en los años 60 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento empezó a comienzos de los 60s como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oir en los lofts de New York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y, con menos visiblidad auque original, La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens y John Tavener.
La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental o música downtown que empezó a ser creada en los años 60 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento empezó a comienzos de los 60s como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oir en los lofts de New York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y, con menos visiblidad auque original, La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens y John Tavener.
ambient
El ambient es un género musical en el cual el sonido es más importante que las notas. Generalmente se identifica por ser ampliamente atmosférica y ambiental por naturaleza. La música ambient evolucionó desde las formas musicales semi-audibles de principios del Siglo XX, del impresionismo de Erik Satie, a través de la música concreta y el minimalismo de Terry Riley y Philip Glass, y el deliberado acercamiento sub-audible de Brian Eno.
música electrónica
Fuente: Wikipedia
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1960 la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile o shuffle dance.
Para conocer en profundidad la historia y evolución de la música electrónica, leer el artículo completo.
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1960 la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile o shuffle dance.
Para conocer en profundidad la historia y evolución de la música electrónica, leer el artículo completo.
música espacial
El término "space music" ha evolucionado y cambiado desde que fue utilizado por primera vez hace medio siglo. Aunque existe un acuerdo generalizado entre los programadores de radio de música espacial, críticos musicales, autores y editores sobre el sonido y los usos de este tipo de música, no ocurre lo mismo a la hora de definir el término y cómo encuadrarla dentro de los diferentes géneros musicales.
Algunos la relacionan con la música ambient, aunque ambos términos acaben siendo un poco ambiguos. Otros afirman que la "space music" es un subgénero de la new age (independiente de la música ambient) y no los usan indistintamente.
Stephen Hill, co-fundador de "Music from the Hearts of Space" (cadena de emisoras de radio en Estados Unidos dedicada a programar estos estilos musicales en la Radio Pública Nacional americana y vía satélite), la describe como "música contemplativa, a grandes rasgos". Él afirma que "el género abarca estilos históricos, étnicos y contemporáneos", y que combina elementos de diversas culturas y géneros, mezclados con variedad de música ambiental acústica y electrónica, "dentro de una secuencia única unificada por el sonido, la emoción y la imaginería espacial".
Robert Rich considera la música espacial una combinación de las influencias de la música electrónica de los '70 con la música del mundo y los "métodos modernos de composición".
Diferentes portales musicales de Internet la clasifican como un subgénero de la new age y, en concreto, el portal Rhapsody dice: "aunque no existe el sonido en el vacío del espacio, muchos compositores de New Age han buscado aquí su fuente de inspiración, creando una noción abstracta de los sonidos de la música interestelar. La Música Espacial no sólo indica un tipo de composición, sino también una cierta conciencia cósmica. Artistas como el multi-instrumentista británico Phil Thornton o el pionero de la música espacial Michael Stearns tratan de evocar paz y unidad con sus ambientes espaciales, creando composiciones que son tranquilas, hipnóticas y conmovedoras".
Rock
El rock and roll es un género musical de marcado ritmo, derivado de una mezcla de diversos estilos del folclore estadounidense. El término «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, pinchadiscos de una radio de Cleveland, que utilizó el término para titular un programa de radio: Moondog Rock'n'Roll Party. Este término se suele reservar para la primera época de este estilo (fundamentalmente la década de los años 50 del siglo XX), mientras que su abreviatura, rock, se suele emplear para referirse al resto de la historia de éste género musical, aunque actualmente se está utilizando mucho.
folk
Se entiende por música folclórica (del inglés folk: 'pueblo' y lore: 'acervo' o 'sabiduría') la música popular propia de un país o de una región inspirada en la música tradicional (transmitida de generación en generación al margen de estructuras académicas).
Algunas acotaciones:
Existe una cierta superposición de términos:
Algunas acotaciones:
Existe una cierta superposición de términos:
- la música folk estadounidense, constituye un estilo musical que ha trascendido las fronteras de su país de origen y se ha popularizado en muchos países del mundo. Se caracteriza por empleo de instrumentaciones y giros melódicos de la música tradicional con textos de nuevo cuño de autor conocido.
- en Europa el término música folk suele referirse a una reelaboración de materiales de la música popular de la sociedad preindustrial. De modo general, usa como base algunos instrumentos y melodías anónimas de la música tradicional rural combinadas con arreglos y composiciones de autor conocido.
- suele entenderse por música folklórica la dedicada a la escenificación del repertorio festivo de esas sociedades rurales.
- arbitrariamente suelen excluirse manifestaciones de música popular tradicional de origen urbano.
música celta
Con el término genérico de música celta se agrupa a un conjunto de géneros musicales que comprenden desde la música folk tradicional de los celtas que provienen del Oeste de Europa hasta la música producida actualmente y que toma aportes rítmicos de ésta.
El término música celta puede referirse tanto la tradición transmitida oralmente, como a las grabaciones de música popular que sólo tienen una similitud superficial con los estilos populares de los pueblos celtas.
Generalmente, el término se aplica también a la música de Irlanda y Escocia, debido a que ambos países producen una música con estilos bien conocidos y definidos además de ambientes puramente genuinos de este estilo músical. La música de Gales, Cornualles, Isla de Man, Bretaña, Northumbria y, particularmente en España, la música de Galicia y la música de Asturias, consideradas parte de la música celta.
La tradición celta es fuerte en Bretaña, donde hay numerosos festivales celtas a lo largo del año. Por último, la música étnicamente celta se ha expandido tanto que puede encontrarse también fuera de Europa. Un ejemplo de ello son Canadá y Estados Unidos.
El término música celta puede referirse tanto la tradición transmitida oralmente, como a las grabaciones de música popular que sólo tienen una similitud superficial con los estilos populares de los pueblos celtas.
Generalmente, el término se aplica también a la música de Irlanda y Escocia, debido a que ambos países producen una música con estilos bien conocidos y definidos además de ambientes puramente genuinos de este estilo músical. La música de Gales, Cornualles, Isla de Man, Bretaña, Northumbria y, particularmente en España, la música de Galicia y la música de Asturias, consideradas parte de la música celta.
La tradición celta es fuerte en Bretaña, donde hay numerosos festivales celtas a lo largo del año. Por último, la música étnicamente celta se ha expandido tanto que puede encontrarse también fuera de Europa. Un ejemplo de ello son Canadá y Estados Unidos.
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