didgeridoo

El didgeridoo es un instrumento de viento ancestral utilizado por los aborígenes de Australia. Es un instrumento no melódico, que emite una vibración grave y profunda, la cual puede ser modulada y dotada de ritmo.

Se supone que tiene unos 20.000 años de existencia de acuerdo con la datación de algunas pinturas rupestres en las que aparece el instrumento, aunque los propios aborígenes le dan una antigüedad de hasta 40.000 años.


En sus orígenes, el didgeridoo fue creado a partir de troncos muertos de árboles, principalmente eucaliptus, con su interior roído por la acción de las termitas. Al limpiar el tronco en cuestión se obtiene un tubo largo, el cual se hace sonar haciendo vibrar los labios en uno de sus extremos. Esta vibración, al ser amplificada por las paredes del tubo, genera su vibración característica. Es posible modular la vibración obtenida, moviendo los labios y la lengua, o sumando a la vibración sonidos surgidos de la garganta.

Una de sus particularidades es que se puede tocar durante un tiempo ilimitado mediante una técnica denominada respiración circular, que consiste en mantener continuamente una cierta presión de aire en la boca, inhalando aire por las fosas nasales.

Un didgeridoo usualmente mide entre 8 y 12 cm. de diámetro y su longitud puede variar desde, aproximadamente, 50 centímetros, hasta dos metros o más. La longitud del instrumento determina la gravedad de su sonido. Algunos presentan un ensanchamiento en su boca inferior, semejante a una trompeta. Muchas veces la boca superior, por la cual se sopla, presenta una cubierta de cera, para prevenir la irritación de los labios a causa del roce.

Popol Vuh

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sitar

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Deuter

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Al Gromer Khan

Alois Gromer, 8 de abril de 1946, Baviera.

Fuente: Heather Phares (all music guide).


Al Gromer Khan ha vivido en Inglaterra, la India y Marruecos, lo que ha ampliado sus gustos musicales y su estilo de intrepretación. Asistió a un recital de sitar a cargo de Vilayat Khan y tal fue su impresión que dedicó su vida y su arte al estudio de este instrumento. Tras estudiar con el maestro de sitar Imrat Khan, Gromer pasó a ser miembro de la dinastía Khan-i-Gharana en 1975 y añadió el nombre de Khan al suyo propio.
Su acercamiento contemplativo y a la vez contemporáneo a la música le hizo popular en los espacios de radio y televisión relevantes, así como la mentalidad progresiva de los artistas con los que colaboró, como Deuter, Amon Düül y Florian Fricke de Popol Vuh.
Sus álbumes Mahogany Nights, Space Hotel y Kamasutra obtuvieron una fuerte aclamación por parte de la crítica por su magistral mezcla de técnica, tradición y tecnología.

Discografía:

1987 - Divan I Khas (Visions of a Mogul Prince)
1990 - Mahogany Nights
1995 - Monsoon Point
1996 - Kamasutra: The Original Music of the Indian Sex Ritual
1996 - Black Marble & Sweet Fire
1997 - Space Hotel
1997 - Konya
1998 - Tantra Drums
1999 - Music from an Eastern Rosegarden
1999 - Attar-Musik Als Parfum
2000 - Almond Blossom Day
2000 - Kamasutra Experience
2000 - The God Perfume II
2001 - Sufi
2002 - Lexus: Future Miniatures
2002 - Future Lounge
2004 - Essence of Well-Being
2004 - Tantra Electronica
2006 - Utopia
2006 - Turya
2006 - Chai & Roses
2006 - Indian Music
2006 - Savoy Tea Time
2006 - The Alchemy of Happyness
2007 - Another Kind of Silence
2007 - Radio Yoga
2008 - Indian Music, Vol. 2
2008 - Negus: The Royal Principle
2009 - Sitar Secrets
2009 - Lanoiah

órgano

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piano

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Ralf Wadephul

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Paul Haslinger

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Johannes Schmoelling

www.johannesschmoelling.de

Johannes Schmoelling, Lohne (Alemania), 9 de noviembre de 1950.

Fuente: www.johannesschmoelling.de

Comenzó tocando el piano a la edad de ocho años. A los 12 se sintió fuertemente atraído por el órgano y en un par de años lo dominó de tal manera que empezó a tocarlo de manera profesional en algunas iglesias. Tras conseguir su título de Ingeniero de Sonido en 1978, empezó a trabajar para representaciones teatrales en directo, lo que le permitía combinar sus intereses técnicos y musicales.


En 1979 Schmoelling conoce a Edgar Froese y junto a Christopher Franke forma parte de Tangerine Dream. Su primer álbum con Tangerine Dream fue Tangram en 1980 y los cinco años siguientes los pasaría grabando y yendo de gira con la banda. Fue la época de álbumes como Exit o Logos Live, así como bandas sonoras como Thief, Risky Business y Legend.

En 1986, Johannes Schmoelling abandona el grupo para iniciar su carrera en solitario. Su primer álbum, Wuivend Riet (que significa "cañas cimbreadas por el viento") estableció una nueva dirección en su música, un sonido único de trabajos temáticos basados en la electrónica y arreglados en ambientes de sonido naturales. Esto se mantendría en los sucesivos álbumes hasta su trabajo Songs No Words de 1995.

A esto seguiría la banda sonora para la serie de televisión alemana Ein Starkes Team ("un equipo fuerte"). En 1998 reeditaría su disco The Zoo of Tranquility en una nueva regrabación remezclada que incluía temas adicionales.
En 2000 funda su propio sello, Viktoriapark Records, donde reedita su álbum White Out que llevaba tantos años descatalogado. Durante los años siguientes compondrá varias bandas sonoras para series de televisión.
En 2003 publica Recycle or Die que sale a la venta el día de su cumpleaños.

'Instant City', ©2006 Instant City




Discografía:

1986 - Wuivend Riet
1988 - The Zoo of Tranquility
1990 - White Out
1995 - Lieder Ohne Worte (Songs No Words)
1998 - The Zoo of Tranquility
2000 - White Out
2003 - Recycle or Die
2004 - Weltmärchen - Weltmusik
2006 - Instant City
2007 - Audio Art
2007 - Images and Memory 1986-2006 An Anthology

Entrevista

Steve Jolliffe

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Klaus Krueger

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Steve Schroyder

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Conrad Schnitzler

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Jerome Froese

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escuela de Berlín

Fuente: Wikipedia

Se refiere a una generación de artistas de música electrónica y una escena musical que tienen en común la ciudad de Berlín como centro de operaciones. Entre los músicos más influyentes destacan Klaus Schulze, Tangerine Dream y Ash Ra Tempel.

La escuela de Berlín es fruto del krautrock. Se tiende a identificar con la kosmische musik, alejándose por tanto de la mucho más rítmica Escuela de Düsseldorf que incluía a bandas como Can, Cluster, Kraftwerk y Neu!.

La época clásica de la Escuela de Berlín comienza estrictamente con la publicación del álbum Phaedra por Tangerine Dream (1974). Podría decirse que esta era terminaría con el disco Hyperborea del mismo grupo y publicado en 1983.

Durante este tiempo, otras obras significativas de grupos clásicos del estilo incluirían los álbumes de Klaus Schulze Timewind (1975) y Moondawn (1976), considerado como su primera obra que se puede encuadrar claramente en el género.
Jean Michel Jarre se une al estilo con su disco Oxygène del mismo año. Tangerine Dream, por su parte, continuó su labor con el disco de estudio Stratosfear y la banda sonora de la película Sorcerer. En 1977, Ash Ra Tempel (Manuel Göttsching) publica New Age of Earth y Vangelis su álbum Spiral. Tangerine Dream sale de gira por Estados Unidos y publica su doble álbum Encore.

Cada artista tenía un estilo único. Tangerine Dream llevaba a cabo una secuenciación compleja que combinaba múltiples líneas de color en su música, a través de la secuenciación en vivo mediante la utilización del secuenciador analógico como si de un instrumento para tocar en directo se tratara. Se ha afirmado que el tipo de estructuras catárticas de ritmo y sonido de sus 'Años Virgin' bebe de la tradición minimalista de Terry Riley. Jean Michel Jarre, por su parte, desarrollaba temas con un bajo dominante y profundo. Klaus Schulze utilizaba secuencias cortas e hipnóticas, una octava o dos más altas que las de otros coetáneos como Michael Hoenig, cuyos patrones cambiaban constantemente. Schulze destaca, por otra parte, por tocar sus secuencias en teclado en vivo, introduciendo así modulaciones en sus piezas.

El estilo se caracteriza por cósmicos riffs de guitarra eléctrica u otras melodías de sintetizador acompañadas por complejas líneas de bajo secuenciadas. Las improvisaciones de la voz solista configuraban la vertiente humana de esta música frente al sonido frío y robótico de las líneas de bajo. Eran habituales los efectos de sonido como el viento, las ráfagas de Mellotron, el sonido de flautas o los arreglos de cuerdas tanto orgánicas como sintetizadas. Con frecuencia también se incluían piezas ambientales o experimentales, normalmente como intros en los discos. La mayor parte de las canciones eran instrumentales, utilizándose las vocales sólo de modo esporádico.

Un tema clásico de la Escuela de Berlín podía durar típicamente alrededor de veinte o treinta minutos, llenando toda una cara de un LP. Esta duración extensa es uno de los sellos distintivos del género. Tras la llegada del CD, los artistas dejaron de estar limitados por la duración del vinilo, pudiendo alargar sus composiciones tanto como desearan.

Peter Baumann

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Christopher Franke

www.sonicimages.com

Berlín, 1953.

Miembro del grupo Tangerine Dream entre 1971 y 1988.


Se hizo célebre por dotar al grupo berlinés de su clásico sonido secuenciado, precursor de múltiples tendencias electrónicas posteriores. Desde su marcha de
TD, vive en Hollywood y aparte de la publicación de álbumes propios, musicaliza series de TV, entre las que destaca Babylon 5 y películas (Universal Soldier, Tarzan and the Lost City, Fortress 2, etc.), en las que fusiona masas orquestales y sintetizadores.

Discografía:

1991 - Pacific Coast Highway
1992 - Universal Soldier
1992 - The London Concert
1993 - New Music For Films
1994 - Raven
1994 - Enchanting Nature
1995 - Babylon 5, vol.1
1995 - Klemania
1995 - Night of the Running Man
1996 - Pacific Coast Highway
1996 - The London Concert
1996 - New Music for Films, vol.1
1996 - Raven
1996 - Tenchi Muyo in Love
1996 - The Celestine Prophecy
1997 - Perry Rhodan
1997 - Babylon 5, vol.2
1997 - Pacific Blue
1997 - Transformation of Mind
1997 - Babylon 5 Episodic CD's
1998 - Babylon 5 Episodic CD's
1998 - Babylon 5 - In The Beginning
1999 - Babylon 5 - Thirdspace
1999 - Babylon 5 - The River of Souls
1999 - Epic
2000 - New Music For Films, vol.2
2000 - The Calling
2001 - Best of Babylon 5

Ron Sunsinger

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Kevin Braheny

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Maurice Jarre

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jazz

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guitarra

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lounge

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chillout


Chill out en inglés significa relajarse, aunque también se aplica este término a un género de música electrónica, muy suave y donde la intención es interpretar distintas melodías, dependiendo del estado de ánimo de la persona. Uno de los referentes es una colección de discos editados por un bar de Ibiza, en España, que se llama Café del Mar, famoso por su chillout a la puesta del sol.

Este género se caracteriza ante todo por la forma suave en que se combinan o remezclan algunos géneros tales como ópera, flamenco, vals peruano, huaino peruano, bossa nova, tango y algunos otros géneros étnicos árabes e indios. Junto con el ambient y el lounge (este es una variación del house), estos tres géneros han acaparado gran cantidad de seguidores en el mundo por su sencillez y por su rica variación étnica. Como ejemplo tenemos álbumes como: Café del mar, Bajo Fondo Tango Club, Zen Beats, Buddha Chill Out Lounge, Timbiriche Chillout + Dance, Cholo soy Peruvian Waltz Chillout, Adagio Chill Out y Cafe Inkaterra, Novalima, entre otros.



Podcast #616, especial Café del Mar
Podcast #555

Steve Reich

www.stevereich.com

Stephen Michael Reich, 3 de octubre de 1936, Nueva York (Estados Unidos).

Fuente: Wikipedia

Conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.


Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out—, efectos de fase repetidos —Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase— y nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music, la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento—. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música contemporánea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.

Numerosos críticos angloamericanos y británicos le conceden una gran relevancia, no tan compartida fuera del mundo anglosajón. Así The Guardian ha descrito a Reich como uno de los pocos compositores que «alteró la dirección de la historia de la música»; The New York Times lo sitúa «...entre los más grandes compositores del siglo»; The New Yorker habla de él como «...el más original pensador musical de nuestro tiempo»; y The Village VOICE, sencillamente dice que es «...el más grande compositor norteamericano vivo1».

Steve Reich: "Music for 18 Musicians" - opening thru section II

En el año 2006 Steve Reich ha sido distinguido con el prestigioso Praemium Imperiale y en el año 2007 con el Polar Music Prize.
.

Leer el excelente artículo completo en la Wikipedia

Michael Stearns

www.michaelstearns.com

Michael Stearns comenzó a estudiar la guitarra clásica en 1960 y formó parte de bandas de rock y de jazz de la época. Con 16 años ya tocaba ante audiencias de más de 7.000 personas. Sin embargo, pronto sintió curiosidad por probar nuevas vías.
Mientras estudiaba en la Universidad del Pacífico compuso su primera pieza de música electrónica, en 1968. Tras ello se pasaría los siguientes cuatro años estudiando síntesis y física de los instrumentos.
En 1972 conseguiría formar su estudio en Arizona y se empezó a dedicar a componer música para anuncios. En 1975 se trasladaría a Los Angeles para convertirse en músico residente del Emily Conrad's Continuum Studio, lo cual no le impidió continuar con sus experimentos jazzístícos durante dos años más.
En 1977 publica por fin su primer álbum, titulado Ancient Leaves, para continuar con una etapa que parece estar inspirada por melodías cósmicas, espaciales y celestiales. Precisamente por ello, la NASA y el Laserium deciden utilizar su música para ambientar sus presentaciones en 1982. En el 83, Michael Stearns trabajará con uno de los mayores talentos cinematográficos, Maurice Jarre, colaborando en las películas Fire Fox y Dreamscape. Otras bandas sonoras seguirían a continuación y pronto se vio involucrado en la composición de temas para series de televisión como El Mundo de los Exploradores.
En 1984 renueva su estudio en Santa Monica y firma por el sello Sonic Atmospheres. Al año siguiente su música será emitida vía satélite desde más de 200 emisoras en Estados Unidos en el programa de Stephen Hill Music From the Hearts of Space. La conexión a estas alturas de Michael Stearns con el cosmos es más que evidente.
En 1986 vuelve a crear música para una nueva película de Ron Fricke, Sacred Site, centrada en la aparición del cometa Halley sobre Ayer's Rock, en Australia. Por aquél entonces su reputación había trascendido los medios y publicaciones como Music Technology, Keyboard o Electronic Musician ya hablaban prolíficamente de él.
1989 sería un año donde su carrera espacial se reorientaría hacia ambientes más terrenales, dedicándose a viajar a Japón, Indonesla, Java y Bali para grabar música indígena y sonidos de erupciones volcánicas. De aquí surgió la banda sonora de la película Ring of Fire. Michael también realizaría un concierto en el festival Harmonia Mundi celebrando el premio Nobel de la Paz entregado al Dalai Lama y posteriormente se uniría a los gurús Steve Roach y Kevin Braheny para rendir culto a una de las fuentes de inspiración más poderosas para todos estos artistas: el desierto.
1990 y 1991 los pasaría viajando por Costa Rica, las Galápagos y Brasil para componer la música de Tropical Rain Forest y Baraka, entre otras.
A finales de 1992 se traslada a Santa Fe y construye el Earth Turtle Studio. En esta época su involucración con la cultura india americana comenzaría a hacerse fuerte y ello se vería reflejado en sus siguientes trabajos. A pesar de ello, Michael Stearns no dejará de estar especialmente activo y viajará a Seúl para producir una banda sonora para el Goldstar Science Center y grabar un nuevo álbum de colaboración con Steve Roach y Ron Sunsinger.
Más viajes y nuevos proyectos vinculados al mundo audiovisual se repetirán estos años, donde la nota predominante vendrá determinada por los conciertos y sus incursiones en temas relacionados con la naturaleza en todas sus variantes, pasando por el desierto, los bosques tropicales y el mundo subacuático.
La influencia de Michael Stearns en el cine tras toda esta brillante carrera pasa por figurar en películas como Star Trek, Titanic de James Cameron o Vampiros de John Carpenter. Y por contarse entre los más reputados autores del género electrónico-espacial después de llevar más de 20 años explorando nuevos territorios sonoros, descubriéndonos una larga lista de extraordinarios álbumes repletos de mundos perdidos.

Discografía:

1977 - Ancient Leaves
1977 - Desert Moon Walk
1978 - Sustaining Cylinders
1979 - Morning Jewel
1980 - Planetary Unfolding
1983 - Sonic Texture
1983 - Lyra
1983 - Light Play
1984 - Chronos
1986 - Plunge
1986 - Sacred Site
1987 - Floating Whispers
1988 - Encounter
1989 - Desert Solitaire
1992 - Baraka
1994 - Singing Stones
1995 - Kiva
1995 - The Lost World
1996 - The Light in the Trees
1998 - Within
1998 - The Ninth Dimension
2000 - The Middle of Time
2000 - Spirits of the Voyage
2000 - Sorcerer
2001 - The Storm

  Entrevista

Phil Thornton

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Robert Rich

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música acústica

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música del mundo

world music

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new age


Fuente: Wikipedia

El New Age es un género musical creado por diferentes estilos cuyo objetivo es crear inspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por los que practican yoga, masaje, meditación,​ y lectura como método para controlar el estrés​ o para crear una atmósfera pacífica en su casa o en otros entornos y suele asociarse al ecologismo y a la espiritualidad New Age.


Las melodías suelen ser repetitivas para crear una sensación hipnótica y a veces se utilizan sonidos de la naturaleza como introducción a un tema o a una pieza. Son frecuentes las piezas largas de hasta treinta minutos o incluso más.

La música New Age suele ser electrónica, normalmente basándose en pads de sintetizador sostenidos o largos temas de secuenciador, aunque cada vez es más frecuente que se incluyan instrumentos convencionales como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia gama de instrumentos acústicos no occidentales.

Los arreglos vocales no abundan en la música New Age, caracterizándose por ser generalmente temas instrumentales, pero a medida que fue evolucionando las voces se hicieron más frecuentes, especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito o música tibetana. Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las creencias New Age, mientras que otros grupos no consideran que su propia música pertenezca a esta forma de pensamiento.

música concreta

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minimalismo



(Calco del ingl. minimal art).
1. m. Corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, lenguaje sencillo, etc.

Steve Reich: "Music for 18 Musicians" - opening thru section II


Fuente: Wikipedia

La música minimalista es un género originario de Estados Unidos que se cataloga como experimental o música downtown que empezó a ser creada en los años 60 basada en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células. Este movimiento empezó a comienzos de los 60s como un movimiento underground en los espacios alternativos de San Francisco y pronto se empezó a oir en los lofts de New York, el minimalismo se expandió hasta ser el estilo más popular de la música experimental del siglo XX. En sus inicios llegó a involucrar a docenas de compositores, a pesar de que sólo cuatro de ellos lograron relevancia - Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y, con menos visiblidad auque original, La Monte Young. En Europa sus mayores exponentes son Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Stefano Ianne, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt, Wim Mertens y John Tavener.

Philip Glass

Fuente: Wikipedia

Philip Glass, Baltimore, Maryland, 31 de enero de 1937.

Compositor estadounidense de música minimalista.

De 1963 a 1965 estudió en París con Nadia Boulanger el análisis de composiciones de Johann Sebastian Bach (El clave bien temperado), Mozart (los conciertos para piano), a Wagner y Beethoven. Tras estudiar con Nadia Boulanger y trabajar estrechamente con Ravi Shankar en Francia, Glass viajó en 1966 al norte de la India. La música de esta primera época es extremadamente repetitiva, austera y complicada para el oyente, lo que le supuso una gran incomprensión por parte de la crítica y el público.


Es posible que la fama a nivel mundial y cierto estatus de genio le llegara a través de la película experimental Koyaanisqatsi, dirigida por Godfrey Reggio (1981-1982) y producida por Francis Ford Coppola.
Durante el resto de los años 80 siguió produciendo música en solitario y con su grupo pero no escatimó en colaboraciones con otros músicos, tanto pop como minoritarios o de otras culturas, y en la realización de música de cine.

Ya en los años 90 Philip Glass adquirió fama universal. Su música durante todo este periodo se ha alejado cada vez más del minimalismo y de sus planteamientos personales iniciales para llegar a posturas más comerciales y llenas de clichés «glasianos», como sus característicos arpegios o transiciones tonales.

» Escucha '1000 Airplanes on the Roof'.

Brian Eno

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Erik Satie

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ambient



El ambient es un género musical en el cual el sonido es más importante que las notas. Generalmente se identifica por ser ampliamente atmosférica y ambiental por naturaleza. La música ambient evolucionó desde las formas musicales semi-audibles de principios del Siglo XX, del impresionismo de Erik Satie, a través de la música concreta y el minimalismo de Terry Riley y Philip Glass, y el deliberado acercamiento sub-audible de Brian Eno.

Steve Roach: Structures from Silence

Podcast de música ambient/espacial

Edgar Froese

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música electrónica

Fuente: Wikipedia

La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.

La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1960 la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile o shuffle dance.

Para conocer en profundidad la historia y evolución de la música electrónica, leer el artículo completo.

música espacial


El término "space music" ha evolucionado y cambiado desde que fue utilizado por primera vez hace medio siglo. Aunque existe un acuerdo generalizado entre los programadores de radio de música espacial, críticos musicales, autores y editores sobre el sonido y los usos de este tipo de música, no ocurre lo mismo a la hora de definir el término y cómo encuadrarla dentro de los diferentes géneros musicales.


Algunos la relacionan con la música ambient, aunque ambos términos acaben siendo un poco ambiguos. Otros afirman que la "space music" es un subgénero de la new age (independiente de la música ambient) y no los usan indistintamente.
Stephen Hill, co-fundador de "Music from the Hearts of Space" (cadena de emisoras de radio en Estados Unidos dedicada a programar estos estilos musicales en la Radio Pública Nacional americana y vía satélite), la describe como "música contemplativa, a grandes rasgos". Él afirma que "el género abarca estilos históricos, étnicos y contemporáneos", y que combina elementos de diversas culturas y géneros, mezclados con variedad de música ambiental acústica y electrónica, "dentro de una secuencia única unificada por el sonido, la emoción y la imaginería espacial".

Robert Rich considera la música espacial una combinación de las influencias de la música electrónica de los '70 con la música del mundo y los "métodos modernos de composición".

Diferentes portales musicales de Internet la clasifican como un subgénero de la new age y, en concreto, el portal Rhapsody dice: "aunque no existe el sonido en el vacío del espacio, muchos compositores de New Age han buscado aquí su fuente de inspiración, creando una noción abstracta de los sonidos de la música interestelar. La Música Espacial no sólo indica un tipo de composición, sino también una cierta conciencia cósmica. Artistas como el multi-instrumentista británico Phil Thornton o el pionero de la música espacial Michael Stearns tratan de evocar paz y unidad con sus ambientes espaciales, creando composiciones que son tranquilas, hipnóticas y conmovedoras".

Podcast de música ambient/espacial

Klaus Schulze

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Tangerine Dream

www.tangerinedream-music.com

Banda fundada en 1967 en Berlín por Edgar Froese.

De su inicial estilo de rock psicodélico, el grupo evolucionó hacia el uso de instrumentos electrónicos con su primera formación estable de trío integrada por Edgar Froese, Christopher Franke y Peter Baumann (1972-1977).
Este trío ha sido el que ha forjado el llamado sonido Berlín, basado en los sonidos secuenciados y en las melodías planeadoras.
Actualmente el grupo está formado por Edgar Froese y Jerome Froese (padre e hijo) y su música se decanta por el rock electrónico.

Evolución de las sucesivas formaciones del grupo:

1970 (formación para la grabación de Electronic Meditation): Edgar Froese, Klaus Schulze, Conrad Schnitzler
1971 (formación para la grabación de Alpha Centauri): Edgar Froese, Christopher Franke, Steve Schroyder
1971-77: Edgar Froese, Christopher Franke, Peter Baumann
1978 (formación para la grabación y gira de Cyclone): Edgar Froese, Christopher Franke, Klaus Krueger, Steve Jolliffe
1979 (formación para la grabación de Force Majeure): Edgar Froese, Christopher Franke, Klaus Krueger
1980-85: Edgar Froese, Christopher Franke, Johannes Schmoelling
1986-87: Edgar Froese, Christopher Franke, Paul Haslinger
1988 (formación para la gira): Edgar Froese, Paul Haslinger, Ralf Wadephul
1988-89: Edgar Froese, Paul Haslinger
1989-1990: Edgar Froese, Paul Haslinger, Jerome Froese
1990-actualidad: Edgar Froese, Jerome Froese

Discografía:

1970 - Electronic Meditation
1971 - Alpha Centauri
1972 - Zeit (Largo in 4 Movements)
1973 - Atem
1974 - Phaedra
1975 - Rubycon
1975 - Ricochet
1975 - Sorcerer
1976 - Stratosfear
1977 - Encore
1978 - Cyclone
1979 - Force Majeure
1980 - Tangram
1981 - Exit
1981 - Quichotte
1982 - White Eagle
1982 - Thief
1983 - Logos – live at the Dominion
1983 - Wavelength
1983 - Hyperborea
1983 - Risky Business
1984 - Poland – the Warsaw Concert
1984 - Firestarter
1984 - Flashpoint
1984 - Heartbreakers
1985 - Le Parc
1985 - Legend
1985 - Pergamon – live at the Palast der Republik
1985 - Shy People
1986 - Green Desert
1986 - Underwater Sunlight
1987 - The Collection
1987 - Near Dark
1987 - Three O´Clock High
1988 - Canyon Dreams
1988 - Tyger
1988 - Live Miles
1988 - Dead Solid Perfect
1988 - Optical Race
1989 - Lily on the Beach
1989 - Miracle Mile
1990 - Melrose
1990 - Destination Berlin
1990 - L’Affaire Wallraff / The Man Inside
1992 - Rockoon
1992 - Quinoa
1993 - 220 Volt Live
1994 - Turn of the Tides
1994 - Catch Me If You Can
1995 - Tyranny of Beauty
1995 - Dream Mixes 1
1995 - Dream Mixes 1
1996 - Goblins' Club
1997 - Dream Mixes 2
1997 - Tournado (Live in Europe 1997)
1998 - Ambient Monkeys
1998 - Atlantic Walls
1998 - Atlantic Bridges
1998 - Dream Encores
1998 - The Hollywood Years 1
1998 - The Hollywood Years 2
1998 - Oasis
1998 - Quinoa Extended
1998 - Transsiberia
1999 - Valentine Wheels (Live in London 1997)
1999 - Sohoman (Live in Sydney 1982)
1999 - What a Blast!
1999 - Architecture in Motion = 'What a Blast!' menos dos temas
1999 - Mars Polaris
1999 - Great Wall of China
2000 - Tang-Go
2000 - Soundmill Navigator
2000 - Antique Dreams
2000 - The Seven Letters from Tibet
2001 - Dream Mixes 3 – The Past Hundred Moons
2002 - "Inferno" (Dante Alighieri – La Divina Commedia)
2003 - The Melrose Years
2003 - Mota Atma
2004 - Dream Mixes 4
2004 - Rockface (Live in Berkeley 1988)
2004 - "Purgatorio" (Dante Alighieri – La Divina Commedia)
2004 - East (Live in East Berlin 1990)
2004 - Goblin's Club (Reedición 2004)
2004 - Arizona (Live in Scottsdale 1992)

Steve Roach

Steve Roach, La Mesa, California (USA), 1955.

www.steveroach.com

Pionero en la música electrónica ambiental-espacial, Steve Roach es uno de los más influyentes artistas contemporáneos de renombre internacional.


Comenzó a tocar los sintetizadores a los 20 años, atraído por los sonidos de la escuela germana de Tangerine Dream y Klaus Schulze.
Si bien en sus inicios su música se caracterizaba por las secuencias polirrítmicas, a lo largo del tiempo su estilo ha ido derivando hacia la música espacial, el ambient clásico y hacia los sonidos más orgánicos del tribal ambient, de quien se considera uno de los principales fundadores.
Finalmente, algunos de sus trabajos pueden catalogarse bajo la etiqueta de dark ambient.

Steve Roach: Structures from Silence



Discografía:

1979 - Moebius
1982 - Now
1983 - Traveler
1984 - Structures from Silence
1986 - Empetus
1986 - Quiet Music, Vol.2
1986 - Quiet Music, Vol.3
1987 - Western Spaces
1987 - Traveler
1987 - Structures from Silence
1987 - Space Dreaming
1988 - Quiet Music
1988 - Dreamtime Return
1989 - The Art and Vision of James Hubbell
1989 - Stormwarning
1989 - Earth Dreaming
1989 - Desert Solitaire
1990 - Strata
1990 - Australia: Sound of the Earth
1992 - Stormwarning
1992 - Forgotten Gods
1992 - World's Edge
1992 - Now/Traveler
1992 - Soma
1993 - The Lost Pieces
1993 - Ritual Ground
1993 - Forgotten Gods
1993 - Origins
1994 - The Dream Circle
1994 - Earth Island
1994 - Artifacts
1995 - The Lost Pieces
1995 - The Dreamer Descends
1995 - Kiva
1995 - Well of Souls
1996 - The Magnificent Void
1996 - Halcyon Days
1997 - Cavern of Sirens
1997 - On This Planet
1998 - Slow Heat
1998 - Dust to Dust
1999 - Truth & Beauty: The Lost Pieces Volume Two
1999 - The Electric Body
1999 - The Dream Circle
1999 - Stormwarning
1999 - Atmospheric Conditions
1999 - Ascension of Shadows
1999 - Dreaming... Now, Then: A Rertospective 1982-1997
1999 - Body Electric
1999 - Quiet Music: Complete Edition
1999 - Light Fantastic
2000 - Vine ~ Bark & Spore
2000 - Early Man
2000 - Circles and Artifacts
2000 - Live Archive
2000 - Midnight Moon
2000 - Ritual Ground
2000 - The Serpent's Lair
2000 - Prayers to the Protector
2001 - Early Man
2001 - Blood Machine
2001 - Structures from Silence
2001 - Time of the Earth
2001 - Core
2001 - Streams & Currents
2001 - Pure Flow: Timeroom Editions Collection 1
2002 - InnerZone
2002 - Trance Spirits
2002 - Day Out of Time
2002 - Darkest Before Dawn
2002 - All Is Now
2003 - Mystic Chords & Sacred Spaces
2003 - Space and Time: An Introduction to the Soundworlds of Steve Roach
2003 - Texture Maps: The Lost Pieces, Vol.3
2003 - Life Sequence
2004 - Spirit Dome
2004 - Fever Dreams
2004 - Mantram
2004 - Holding the Space: Fever Dreams II
2004 - Places Beyond: The Lost Pieces 4
2005 - Possible Planet
2005 - New Life Dreaming
2005 - Dreamtime Return
2005 - The Dreamtime Box
2005 - Somewhere Else
2006 - Inmersion: One
2006 - Terraform
2006 - Storm Surge: Live at NEARfest
2006 - Proof Positive
2006 - Kairos: The Meeting of Time and Destiny
2006 - Inmersion: Two
2007 - Inmersion: Three
2007 - Fever Dreams III
2007 - Arc of Passion
2008 - The Memory Pool/Revealing the Secret
2008 - A Deeper Silence
2008 - Landmass
2008 - Empetus
2008 - Nada Terma
2008 - Stream of Thought
2009 - Spirit Dome - Live Archive
2009 - Dynamic Stillness

Thom Brennan

www.thombrennan.com

Al igual que Steve Roach, durante los '70, Thom Brennan desarrolló un gran interés por la música electrónica inspirado por Edgar Froese, Klaus Schulze, Terry Riley y muchos otros.
A principios de los '80 ambos artistas se conocieron y Thom aprendió mucho sobre el estudio de Steve.
En 1987 publicó Mountains con éxito de crítica, donde proliferaban los secuenciadores y las atmósferas y tras un período de silencio entre 1996-2000, Thom retomó la creación musical editando varios álbumes de estilo ambient.

Discografía:

1987 - Mountains
1989 - Mohave I
1993 - The Dragon's Dream
1995 - The Path Not Taken
1996 - Beneath Clouds
2000 - Vibrant Water
2001 - Formation of Storms
2001 - Mist
2001 - Shimmer
2001 - Strange Paradise
2002 - Satori
2002 - The Secret Faith of Salamanders
2003 - Signals in Moonlight
2004 - Silver
2008 - Stories from the Forest

Rock

El rock and roll es un género musical de marcado ritmo, derivado de una mezcla de diversos estilos del folclore estadounidense. El término «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, pinchadiscos de una radio de Cleveland, que utilizó el término para titular un programa de radio: Moondog Rock'n'Roll Party. Este término se suele reservar para la primera época de este estilo (fundamentalmente la década de los años 50 del siglo XX), mientras que su abreviatura, rock, se suele emplear para referirse al resto de la historia de éste género musical, aunque actualmente se está utilizando mucho.